Sur les planches le 5 juillet !
UN CAFÉ AVEC Serge Bourhis, auteur, metteur en scène, directeur de la compagnie Alcandre
Un heureux hasard m’a fait croiser Serge Bourhis un soir de mai à l’Essaïon Théâtre. Serge Bourhis dirige la compagnie ALCANDRE depuis 2008 et remporte actuellement un beau succès à Paris avec deux pièces qu’il a écrites et mises en scène Racine par la racine et Molieratus. Une proposition d’interview et quelques mails plus tard, la rencontre a lieu dans un café des Batignolles par une belle matinée ensoleillée. Radio Nova en fond sonore, quelques habitués attablés et la conversation s’engage autour d’un café et d’un cappuccino maison.
Coup de théâtre · Bonjour Serge, comment est née la compagnie Alcandre ? Quelle est sa « mission » artistique aujourd’hui ?
La compagnie est née en 2008 d’une rencontre avec des comédiens que j’avais engagés pour monter l’une de mes premières pièces qui s’intitulait Et on créa la femme et qui s’était jouée à Paris et au festival off d’Avignon 2009. Au départ, je n’avais pas de ligne artistique préconçue pour la compagnie. Les choses se sont faites au fur et à mesure, même si j’ai toujours été passionné par la direction d’acteurs et très attaché au théâtre écrit par et pour des comédiens. Aujourd’hui, artistiquement, nous défendons un théâtre de texte à destination d’un large public.
Comment définiriez-vous votre compagnie : un clan, une famille, une association ?
Le terme de famille me paraît le mieux convenir. Comme dans toute famille, les liens entre les membres peuvent parfois être passionnels. Monter plusieurs projets ensemble et vivre plusieurs Avignon (ce sera notre 4ème cette année) n’est pas une mince affaire. Une troupe de théâtre est une association de personnes autour d’un ou plusieurs projets. Nous vivons ensemble des moments très exaltants mais le métier de comédien a ceci de particulier qu’il touche à l’intime et les désaccords professionnels sonnent aussi parfois comme des remises en question de l’individu. Idéalement, je préfère travailler dans la durée avec des comédiens mais ce n’est pas toujours possible. Les nouveaux venus apportent aussi du sang neuf et régénérant pour le groupe.
Qu’est ce que vous aimez dans l’idée d’une troupe ?
J’aime l’idée que le groupe prime sur l’individu, qu’on dépasse les égos pour travailler pour un intérêt collectif. Même si j’écris les textes et que je mets en scène, le travail se fait beaucoup en commun, pendant les répétitions ; on trouve des idées ensemble et j’adore quand les comédiens proposent des choses. On vit des émotions ensemble qui sont très fortes. Je suis sensible aux valeurs de solidarité au sein de la troupe, de respect de ses partenaires, de sens du bien commun.
Comment choisissez-vous vos comédiens ?
Généralement, je passe une annonce sur un site spécialisé et j’auditionne les comédiens dont le profil me paraît correspondre à la personne que je recherche. Je rencontre alors une première fois le comédien ou la comédienne et si la rencontre se passe bien, j’organise une rencontre avec le reste de la troupe et une séance de travail. Mais recruter un comédien relève du pari. On se trompe parfois grossièrement et dans ce cas, il faut vite réparer l’erreur. Disons qu’avec le temps et l’expérience, on apprend à avoir plus de discernement, même si on n’est jamais assuré de rien.
Vous êtes auteur et metteur en scène. Comment nait une pièce chez vous ? Quelles sont les grandes étapes de création et d’élaboration d’un spectacle ?
Pour un auteur dramatique, c’est évidemment une chance que de pouvoir mettre en scène ses propres textes.Le processus de création est différent selon les spectacles. Pour certaines pièces, je pense d’abord à des comédiens ou à des personnages de romans, comme le personnage de Lilith dans la nouvelle de Primo Levi qui m’a inspiré pour Et on créa la femme. Pour Racine par la racine, l’idée est venue d’un spectacle anglais que j’avais vu à Avignon en 2004 qui s’appelait Shakespeare le défi, une comédie un peu loufoque, très drôle avec 3 comédiens qui jouaient tout Shakespeare en 80 minutes. J’avais envie de travailler sur Racine et j’ai pensé qu’il serait intéressant de l’aborder sous un angle inhabituel. J’ai écrit une première version de la pièce en 3 semaines ; on l’a travaillée pendant 3 à 4 mois. La création du spectacle devient alors un laboratoire pour la gestation du texte. J’écris généralement un premier état du texte qui subit de très nombreuses métamorphoses au fil des répétitions. Certaines répliques écrites ne deviendront jamais audibles sur un plateau. Le travail consiste donc souvent à amputer, à renoncer, à rogner…comme dans tout travail d’écriture. Au fil du temps, le texte des pièces subit parfois de très profondes modifications. Ca a été particulièrement vrai pour le spectacle sur Racine.
Vous destinez de nombreuses pièces à un jeune public. Pourquoi vouloir précisément s’adresser aux jeunes ? Quelles actions mettez-vous en place pour les sensibiliser ?
Quand j’ai écrit « Racine par la racine » en 2009, je ne l’ai pas conçu à l’origine comme un spectacle pour la jeunesse. Ce n’est qu’au bout de quelques représentations que des spectateurs m’ont dit qu’il serait formidable de le jouer devant des lycéens. Peu à peu, nous avons donc commencé à le jouer dans de nombreux établissements scolaires de Paris, de banlieue et même de province. Le spectacle suivant, Je veux de l’amour et du hasard a été, lui, conçu et monté pour être joué dans des lycées. Quant à Molieratus, il s’agit d’une commande du théâtre Gérard Philippe de Meaux où notre compagnie a été en résidence en début 2013. Nous avons pour habitude, lorsque nous jouons devant des publics de scolaires, de faire suivre le spectacle d’un débat avec la troupe. Ca me paraît important pour le théâtre aujourd’hui de ne pas se couper du public des adolescents, faute de quoi il deviendra un loisir de personnes d’âge mûr. Rien de plus triste que d’aller assister à des spectacles dans des théâtres qui ressemblent à des maisons de retraite bourgeoises. Les adolescents d’aujourd’hui sont le public de demain et le théâtre a tout à gagner à jouer devant un public de jeunes, à aller à la rencontre de publics variés.
A l’approche du Festival d’Avignon, quel rôle joue le OFF pour une compagnie comme la vôtre ?
Pour une « jeune » compagnie comme la nôtre, le festival off est à la fois un très coûteux investissement et une opportunité pour diffuser et vendre nos spectacles. Certaines compagnies se ruinent et « explosent » au festival, d’autres se soudent et grandissent. Il faut avoir une grande confiance dans les personnes avec qui on tente l’aventure (car c’en est une !) et bien se préparer physiquement et psychologiquement.Je pense que la première fois qu’on a fait Avignon, on n’avait pas complètement conscience des enjeux et des risques ! (rire) C’est vraiment le bouche à oreille qui donne la chance aux « petits » spectacles. Pour Racine l’an dernier, on a commencé à jouer et le bouche à oreille a fonctionné, comme en 2010. On a affiché complet dès la quatrième soir et on a ensuite refusé des spectateurs jusqu’à la fin du festival ! On y retourne cet été.
Comment souhaitez-vous faire évoluer la compagnie ? Quels sont vos projets ?
Il faut plusieurs années pour qu’une compagnie commence à devenir viable pour ses membres. La nôtre progresse chaque année, on travaille beaucoup, on franchit des caps ; il nous en reste encore beaucoup. Le problème est celui du financement des projets. En ce sens, nous aimerions pouvoir trouver des sources de financement pérennes qui nous permettront de travailler avec d’autres artistes : décorateurs, musiciens, créateurs lumière. Une autre question est celle de la recherche d’un lieu de travail. Concernant le travail artistique proprement dit, nous continuerons à créer des spectacles pour des publics adolescents et adultes, pourquoi pas pour enfants ? Et puis, j’ai commencé à écrire une comédie noire que j’aimerais monter la saison prochaine. J’ai aussi un projet ancien qui me tient à cœur depuis de nombreuses années. On nous réclame désormais un spectacle sur Corneille pour compléter la trilogie… et j’ai dans mes cartons informatiques des dizaines de maquettes de pièces dont certaines verront peut-être bientôt le jour…
Quel théâtre allez-vous voir aujourd’hui ? Quel spectateur êtes-vous ?
Je n’ai guère le temps ces temps-ci d’aller au théâtre et je suis un peu frustré de voir dans le théâtre contemporain le public se déplacer pour voir le travail d’un metteur en scène plus que pour découvrir des pièces ou pour voir des comédiens. Mais j’ai des metteurs en scène de prédilection comme Peter Brook qui est pour moi un modèle de grand et beau théâtre populaire ou Declan Donnellan. Il y a aussi des endroits que j’affectionne comme Les Bouffes du Nord. Je suis un spectateur très « difficile » mais en même temps très indulgent car je sais toute la difficulté de cet art si exigeant qu’est le théâtre. J’ai le souvenir d’un formidable spectacle à l’Odéon: l’illusion comique monté par Giorgio Strehler. Tout était magique : les comédiens, la lumière… Il y a un autre spectacle magnifique qui me revient en mémoire : 4.48 psychose, le texte de Sarah Kane monté par Claude Régy aux Bouffes du Nord avec Isabelle Huppert, seule en scène milieu plateau sans bouger pendant 2 heures. Un spectacle extatique !
Et pour conclure, le mot « théâtre » que vous préférez
Sous et sur le grill ! (rire)
Propos recueillis par Elisabeth Donetti
Site web : http://www.lacompagniealcandre.com
Actuellement à l’ESSAION THÉÂTRE :
Chaque mercredi à 20h jusqu’à fin juin 2014
Du mercredi au samedi du 3 au 19 juillet 2014 à 20h (11 représentations)
Et au festival Off d’Avignon 2014 du 4 au 25 juillet à l’Essaïon Avignon
Du jeudi au samedi à 20h jusqu’au 28 juin 2014
LE RÉCITAL EMPHATIQUE – THÉÂTRE de L’OEUVRE
IRRÉSISTIBLE ! Un petit bijou de spectacle qui ne ressemble à aucun autre ! J’ai été littéralement scotchée par Le Récital Emphatique de et avec Michel Fau, au théâtre de l’œuvre mercredi dernier. Michel Fau, je l’avais découvert cet hiver dans Le Misanthrope. Mais pour ce Récital, il troque les habits du sombre et tourmenté Alceste pour incarner une diva-tragédienne baroque, fantasque, déglinguée – mix improbable de Bianca Castafiore, Sarah Bernard et Montserrat Caballé réunies ! – et offrir un tour de chant burlesque et décadent. On l’aura compris, le spectacle est un hommage vibrant et jubilatoire aux cantatrices d’opéra et aux tragédiennes disparues, qui ont toujours fasciné M. Fau. « Je me moque, certes, mais ce spectacle est aussi une cérémonie funèbre, un hommage à des femmes disparues » souligne-t-il. Et pour faire revivre le mythe de la Diva Assoluta, Michel Fau ne lésine pas : drapé d’une robe lamée or, juché sur des escarpins aiguille, choucroute brushingée, cils XXL et eyeliner outrancier, il est méconnaissable et irrésistible ! Seul, ou plutôt seule en scène, avec son pianiste (le parfait Mathieu El Fassi), il revisite pendant 1 heure 30 monologues tragiques et airs célèbres avec une saveur, un humour et un sens de la scène incomparables! Déclinaison de la tirade célébrissime de Phèdre sous 4 interprétations (boulevard, tragédie, vieux françois, ..) qui illustre au passage tout son talent de comédien – parodie d’un texte durassien (Mékong B4), reprise du Summertime de Gershwin, Je veux de Zaz et Comme un ouragan d’une célèbre princesse monégasque, entre autres surprises. C’est jubilatoire ! Michel Fau ne s’interdit rien, s’en donne à cœur joie et fait mouche à chaque fois. Cela aurait pu virer grotesque mais avec son talent, il peut tout se permettre. Il lui suffit d’une œillade tragique, d’un entrechat, d’un soupir éploré, d’un tremolo ou d’une roucoulade suggestive pour déclencher les rires. L’air de ne pas y toucher, il en met des tonnes et nous fait passer une soirée exquise. On aurait aimé qu’elle se prolonge jusqu’au bout de la nuit….
Le point de vue d’Elisabeth
Théâtre de l’Œuvre • 55 rue de Clichy, 75009 Paris
Du mardi au samedi à 21h30
Jusqu’au 19 juillet
RHINOCÉROS – THÉÂTRE de la VILLE
C’est l’affiche dans le métro qui m’a donné envie d’y aller …et le simple mot rhinocéros qui résonne toujours en moi comme une madeleine de Proust théâtrale. Premières émotions d’une toute jeune spectatrice lors d’une sortie scolaire au théâtre de Neuilly-sur-Seine il y a bien longtemps…Trois décennies plus tard, plaisir et émotion de redécouvrir la pièce au Théâtre de la Ville mardi dernier.
La pièce raconte l’irruption inattendue et brutale de rhinocéros dans une petite ville française imaginaire. Face à l’envahissement des animaux, les hommes et les femmes éprouvent d’abord incompréhension et peur, avant de s’abrutir, se soumettre et se transformer progressivement en rhinocéros un à un. Tous sauf un. Béranger. Lui, l’homme de la résistance, du non embrigadement, le seul encore capable d’agir et de penser « Je suis le dernier homme, je le resterai jusqu’au bout ! Je ne capitule pas ! ».Dans Rhinocéros, Eugène Ionesco dénonce la montée des totalitarismes en Europe à l’aube de la seconde guerre mondiale, lui le franco-roumain qui a connu l’ascension du nazisme en Roumanie puis l’arrivée au pouvoir des communistes. Texte culte du théâtre de l’absurde, la pièce a connu mille mises en scène et celle d’Emmanuel Demarcy-Mota fera date à mon avis ! Pourquoi ? Parce qu’elle illustre à merveille toutes les facettes de l’œuvre de Ionesco : l’hystérie collective, la résignation face à l’oppresseur, l’aliénation des hommes, l’inexorabilité des destins, …. Baignant dans un climat à mi chemin entre réel et fantastique, le spectacle tire sa force d’un mélange de grandiose et d’intimiste. Les séquences collectives sont d’une rare beauté et magnifiquement chorégraphiées – l’acte 1, tel un ballet de Pina Bausch, est d’une beauté à couper le souffle – Il faut dire qu’E.Demarcy-Mota dispose de moyens assez considérables pour donner corps à ses idées à l’instar de l’immense construction de blocs telle une boîte à outils géante sur lesquels évoluent les 13 comédiens pour incarner le bureau de Béranger de l’acte 2. Les scènes épurées sur un plateau volontairement dépouillé donnent à entendre le texte avec une rare intensité (départ Daisy), même si la scène de Jean se transformant en rhinocéros n’est pas la plus convaincante, malgré le talent du comédien Hugues Quester. L’autre point fort incontestable du spectacle tient à la qualité d’interprétation au premier rang desquels le comédien Serge Maggiani qui interprète un Béranger, tout en fragilité et en humanité, l’antihéros un peu lunaire passant de la révolte tranquille au refus d’obtempérer, quitte à perdre la femme qu’il aime. Solidement entouré par des comédiens très expérimentés, il « délivre » le texte avec une vérité et une justesse formidable.
La troupe du Théâtre de la Ville revient d’une tournée internationale de 2 ans qui leur a permis de présenter la pièce (en français !) aux quatre coins du globe (Los Angeles, Londres, Santiago du Chili, Istanbul, Athènes,…). Ils ont posé leurs valises à Paris du 2 au 10 juin avant de repartir en tournée à travers le monde.
Le point de vue d’Elisabeth
Crédit photo : ©Karsten Moran/The New York Times-REDUX-REA
LE MOIS MOLIERE – Du 31 mai au 30 juin 2014
Belle saison oblige, j’inaugure ce mois-ci une nouvelle rubrique dédiée aux festivals de théâtre. Après Les Rencontres de la nuit (Paris 17ème), je m’intéresse aujourd’hui au Mois Molière, qui se déroule à Versailles du 31 mai au 30 juin. Au départ, une vocation simple et généreuse : le théâtre partout et pour tous ! Et les chiffres confirment le succès de ce festival qui, depuis sa création en 1996, s’est progressivement imposé comme une référence du renouveau du théâtre populaire : 100 000 spectateurs, 65 lieux, 320 spectacles ! La programmation, quasiment gratuite et pour tous les publics, offre un large panel de spectacles de théâtre mais également de cirque, de musique et de danse et investit les lieux les plus emblématiques du territoire versaillais, dont les Grandes et Petites Ecuries du Château de Versailles, le Théâtre Montansier, les parcs et jardins de la ville….Au programme de cette 19ème édition, du Molière mais pas que (!) Racine, Feydeau, Shakespeare,… seront mis à l’honneur au même titre que Pagnol, Montherlant ou l’américain Schisgal. Une vingtaine de créations exclusives de compagnies professionnelles seront également présentées en avant-première du Off d’Avignon.
Au final, un festival accessible à tous, populaire et de qualité qui privilégie la tradition « tréteaux », l’esprit de troupe et le dialogue direct avec le public. Au fil des ans, le festival a construit une véritable politique d’animation et de soutien aux actions culturelles : formations pour des professionnels et des amateurs, créations des compagnies en résidence, actions pédagogiques dans les écoles, ….et a tissé un large réseau avec de nombreuses compagnies françaises et européennes (Italie, Espagne, Portugal)
Sélection personnelle ! Rendez-vous à ne pas manquer :
UN FIL A LA PATTE – Compagnie VIVA – Grandes Écuries • 6, 7 et 8 juin
LE CHATEAU DE MA MERE – l’Accompagnie – Carré à la Farine • 16 et 19 juin
SUGAR LAKE – Théâtre Montansier • 24 juin
MOLIERE ET LE GRAND WILL – Théâtre du Tire-Pois (Québec) – Grandes Écuries • 25 & 30 juin
CYCLE COMMEDIA DELL’ARTE – Parcs et jardins de la ville · Chaque week-end
Retrouvez le programme complet ICI
LE MOIS MOLIÈRE
Du 31 mai au 30 juin 2014
78000 Versailles
UN CAFE AVEC Nelly Le Grévellec, directrice et programmatrice du théâtre DUNOIS, un théâtre à Paris pour l’enfance et la jeunesse
Coup de théâtre • Bonjour Nelly, comment définiriez-vous le théâtre Dunois ?
Je dirais que c’est le seul théâtre exclusivement jeune public à Paris et identifié comme tel. Mais nous sommes aussi et avant tout un théâtre de quartier. Avant d’être un théâtre jeune public, le lieu a d’abord été le creuset d’une certaine avant-garde musicale (jazz, musique improvisée…) puis s’est converti à la danse contemporaine et au théâtre. L’ADN du théâtre DUNOIS est issu de toutes ces histoires, de toutes ces aventures artistiques.
Vous parlez d’un théâtre de quartier. C’est vrai que vous êtes implanté dans le 13ème arrondissement depuis très longtemps.
Oui, depuis 1977 exactement ! Aujourd’hui nous avons à cœur d’associer la vie de ce théâtre à la métamorphose architecturale du quartier. Je trouve important que les enfants et leurs parents s’interrogent sur cette ville en mutation, se projettent dans ce concept du « Grand Paris ». J’aime bien comparer le théâtre à un phare : même si les gens n’y viennent pas, qu’ils sentent que c’est un repère important, un lieu d’ancrage symbolique.
Quelle est la vocation du théâtre Dunois aujourd’hui ?
Notre vocation est double. D’abord proposer aux enfants et aux adolescents des spectacles singuliers, intellectuellement et esthétiquement exigeants pour les aider à réfléchir, à s’interroger et donc à grandir. Et aussi promouvoir des artistes audacieux qui ont envie d’emmener les spectateurs pas forcément là où ils s’attendraient à être conduits. Le théâtre Dunois, c’est au final, une alchimie entre un théâtre de recherche et des spectateurs curieux !
Comment élaborez-vous votre saison ? Quels critères guident vos choix ?
Selon différents critères : d’âge, de discipline, et de difficultés d’approche… Je programme des spectacles pour trois catégories d’âge : la petite enfance, les 6-10 ans et les adolescents, Je fais également une distinction entre les spectacles déjà créés et les spectacles en création. Cette année par exemple, on a 9 créations sur 14 spectacles, c’est-à-dire que je programme des compagnies, dont je connais et apprécie l’univers et la qualité du travail, uniquement sur un projet.
Dans votre programmation, quelle est la part de productions invitées et des productions « maison » ?
Nous n’avons que des productions invitées car nous n’avons pas de budget artistique pour faire fonctionner une compagnie en propre. Notre but, c’est d’apporter aux compagnies un public bien sûr et une visibilité. Pour l’économie d’une compagnie, un lieu comme le nôtre est important parce qu’il joue un peu le rôle d’Avignon. Un spectacle, pour exister, doit rencontrer un maximum de diffuseurs et pour les rencontrer, il faut un endroit précis, stratégique, qui concentre les acheteurs potentiels. Un passage au théâtre Dunois permet aux compagnies de montrer leur travail à beaucoup de programmateurs issus des 4 coins de l’hexagone, et ainsi assurer leur viabilité économique pour les saisons suivantes. Dans tous les cas, les compagnies aiment se produire ici pour les bonnes conditions techniques qui leur sont offertes ainsi que pour le rapport privilégié avec les spectateurs qu’offre notre salle.
Parlez-nous de cette saison 2013/2014
C’est difficile de privilégier des spectacles en particulier mais c’est vrai qu’on a eu quelques temps forts avec notamment la trilogie « Once Upon a time » de la comédienne Colette Garrigan et ses trois spectacles formidables Sleeping beauty, Mary Brown et Crowning Glory. Pour clore la saison, nous présentons également une pièce de l’auteur norvégien Jon Fosse Le manuscrit des chiens II/ Quelle merveille ! Cette pièce fait partie d’une trilogie dont les 2 autres volets ont été créés les années précédentes par L’Amin Cie théâtrale qui clôt ainsi trois années de résidence chez nous. Les 3 spectacles seront d’ailleurs représentés dans la même journée, le 8 juin dès 14h afin de mettre un point d’orgue à notre collaboration avec le metteur en scène Christophe Laluque.
Quel est votre public ?
En scolaire, il vient de tout Paris et des banlieues proches, avec environ 40% d’écoles du 13eme arrondissement et 60% des autres arrondissements et petite couronne. C’est vrai que la ligne 14 a tout changé ! Pour le public familial, c’est plus difficile à cerner, il y a un public de quartier, de Paris, d’Ile de France et de province.
La baisse des subventions publiques vous pénalise-t-elle ?
Pour l’instant l’impact est peu sensible, le pire est sans doute à venir. Dans l’absolu, on sait faire avec peu, on a toujours su travailler avec des moyens limités. On résistera peut-être mieux que les grosses structures. Curieusement notre notoriété est proportionnellement supérieure à nos moyens financiers.
Comment l’expliquez-vous ?
Je pense qu’elle provient d’abord du fait qu’on est un lieu parisien et qu’à ce niveau, on est visible de toute la France. On dispose également d’un certain nombre d’outils de communication (publications, site web,…) qui nous sont utiles pour développer la visibilité du lieu et mettre en avant la singularité de nos spectacles. La Gazelle, par exemple, le journal du théâtre Dunois, permet de prolonger la réflexion sur les thématiques qui sont abordées dans les spectacles que nous programmons.
Quels sont les projets du théâtre ?
Le théâtre Dunois va s’associer l’année prochaine à l’opération La belle saison qui sera lancée officiellement cet été en Avignon par la Ministre de la Culture Aurélie Filippetti. L’objectif de cette Belle Saison avec l’Enfance et la Jeunesse, c’est de soutenir le théâtre jeune public, en favorisant les synergies et les collaborations entre tous les acteurs du terrain. En Ile de France nous sommes une plateforme de référence sur cette opération. Le spectacle vivant pour le jeune public va ainsi être mis à l’honneur sur l’ensemble du territoire grâce à ce coup de projecteur qui durera jusqu’en décembre 2015.
Quel a été votre parcours avant de diriger le théâtre Dunois ?
A la base, j’ai fait des études littéraires, fréquenté les mouvements militants du début des années 70, où l’on rencontrait beaucoup d’artistes. Les hasards et les rencontres de la vie m’ont conduite au théâtre Dunois au tout début de sa création. J’ai codirigé le théâtre Dunois comme lieu réputé pour le jazz, puis comme lieu pluridisciplinaire, ensuite j’ai créé ce théâtre à Paris pour l’Enfance et la Jeunesse. J’ai l’impression d’avoir vécu plusieurs vies : comme les chats! (rire)
Et pour conclure, le mot du « théâtre » que vous préférez ?
Dramaturgie !
Propos recueilis par Elisabeth Donetti
THÉÂTRE DUNOIS
7 rue Louis Weiss • 75013 Paris
Accès : Bibliothèque F. Mitterrand (ligne 14), Chevaleret (ligne 6)
Tel: 01 45 84 72 00
RACINE PAR LA RACINE – ESSAÏON THÉÂTRE
Salle comble mercredi dernier au théâtre Essaïon (dont beaucoup de lycéens à l’approche du bac français j’imagine !) pour applaudir « Racine par la racine » qui enchaîne sa 4ème saison après avoir triomphé au OFF d’Avignon l’année dernière. Le spectacle a été écrit et mis en scène par Serge Bourhis, le directeur de la compagnie Alcandre, qui a signé entre autre Molieratus.
L’affiche annonce la couleur : « les onze tragédies de Jean Racine telles que vous ne les avez jamais vues« . Objectif : dé-dra-ma-ti-ser la tragédie racinienne et « amener le public à voir du classique à travers une comédie drôle, dynamique, joyeuse, impertinente tout en respectant l’œuvre » comme le souligne Serge Bourhis. Et assurément, pari tenu : ce spectacle facétieux, bourré d’humour et de créativité est une vraie réussite ! Pendant 1 heure, le répertoire racinien est revisité à travers 11 tableaux tous plus originaux et décalés les uns que les autres. Un peu à la manière de (ceux qui ont fait de l’impro me comprendront !), Athalie devient un film d’horreur, Iphigénie se transforme en film muet, Britannicus est « pitché »par Jean Racine sur un plateau télé en 1669,… On rit, on redécouvre, on démonte la mécanique ! Tout est fort bien réalisé et s’enchaîne à un rythme soutenu qui ne laisse pas le temps de s’ennuyer une seconde. D’autant plus que Serge Bourhis a choisi de construire sa mise en scène en tenant toujours le public dans la confidence grâce aux apartés des comédiens. Fort bien vu ! Amoureux des textes raciniens, vous ne serez pas en reste car le dernier tableau dédié à Phèdre offre à l’un des comédiens de la compagnie, Alberto Lombardo, l’opportunité de donner une superbe interprétation de la célébrissime tirade d’aveu (« je le vis, je rougis, je pâlis à sa vue …un trouble s’éleva dans mon âme éperdue»), que j’ai personnellement trouvée fort bien exécutée. Racine restera toujours Racine. Néophyte ou connaisseur, vous serez séduit pas cette pièce au rythme diaboliquement efficace, servi par un casting impeccable, et soucieuse de délivrer au passage quelques faits historiques sur la vie de Racine (rivalité avec Pierre Corneille, son mépris pour Molière,..).
J’ai eu le plaisir d’échanger quelques mots avec Serge Bourhis juste avant le spectacle. Le rendez-vous est pris pour un prochain « Café avec… ». En attendant, il nous parle de « Racine par la racine » dans cette mini interview.
Le point de vue d’Elisabeth
ESSAION THÉÂTRE • 6 rue Pierre au lard, 75004 Paris
Jusqu’au 19 juillet 2014
FESTIVAL « LES RENCONTRES DE LA NUIT » – Du 19 au 28 mai 2014
Chaque printemps, le festival LES RENCONTRES DE LA NUIT crée l’événement au cœur du quartier parisien des Batignolles (17ème). Dédié au théâtre, à la littérature et à la poésie, le festival fête cette année son 10ème anniversaire. La batignollaise que je suis ne pouvait pas passer à côté de l’événement ! J’ai ainsi eu le plaisir de partager un café avec Marie-Christine Aury, co-directrice artistique du festival, à quelques jours du lancement des festivités.
Bonjour Marie-Christine, « Les Rencontres de la Nuit », qu’est-ce que c’est ?
C’est un festival, ancré au cœur d’un territoire, le quartier des Batignolles, dédié aux arts vivants et plus spécifiquement au théâtre, à la lecture et à la poésie, au sein duquel se croisent professionnels et amateurs. Nous y célébrons les textes, les mots, les auteurs, à travers de nombreuses manifestations : cycles de lecture à voix haute, rencontres avec des auteurs, représentations des élèves de notre compagnie (ndlr La nuit comme en plein jour). Nous investissons chaque année plusieurs lieux du quartier : mairie du 17ème, librairies, salles de spectacles, bibliothèques, musées pour aller à la rencontre d’un large public. C’est un rendez-vous formidable qui attire d’ailleurs chaque année un public plus nombreux et plus enthousiaste ! Il faut préciser que le festival est entièrement gratuit, sauf certaines soirées qui doivent être pré-réservées.
Comment est né le festival ? Quelle est sa vocation ?
Au départ, le festival a été créé par quelques élèves de la compagnie qui ont eu envie de prolonger l’expérience de leurs cours et de s’exposer davantage au public. Avec Christine Faure (ndlr : co-directrice artistique du Festival), on s’est tout de suite associé au projet avec la volonté de rendre accessible l’amour des textes et des auteurs au plus grand nombre, par le biais d’une programmation de qualité, éclectique et exigeante parce que nous sommes aussi et avant tout une compagnie professionnelle. Aujourd’hui, ce qui nous intéresse, c’est la rencontre, le partage, la transmission orale. Ce festival, c’est en quelque sorte un laboratoire dans lequel nous partageons nos expériences et notre envie de diffuser et transmettre.
Comment avez-vous conçu la programmation de cette 10ème édition ?
Pour cette dixième édition, on a souhaité d’abord s’associer au comédien André Marcon, dont on adore le travail, et qui inaugurera le festival le 19 mai à 20h avec le spectacle « Le discours des animaux » de Valère Novarina. Et puis, deuxième temps fort : un cycle de lectures, issues de la collection Raconter la vie, un collectif d’ouvrages animé par Pierre Rosanvallon aux éditions du Seuil. On aura également des lectures de Marguerite Duras à l’occasion du 100ème anniversaire de sa naissance, des lectures d’Annie Ernaux, de Frédéric Bloch et de beaucoup d’autres qui scanderont les midis et les débuts de soirée du festival. Parallèlement, les élèves de la compagnie présenteront leurs travaux.
Quels sont les projets du festival ?
Déjà continuer à exister même si on est ravies de fêter les 10 ans! Notre projet, c’est de continuer à s’ouvrir, à proposer une programmation de qualité, variée, et toujours dans un esprit de convivialité et de partage. Et puis, on souhaite continuer à sensibiliser un jeune public aux livres, aux textes, à la lecture à voix haute. On vient d’ailleurs d’entamer un partenariat avec le lycée Jacques Decour dans le 9ème.
Merci !
Programme complet sur http://rencontresdelanuit.free.fr/festival.html
LE ROI SE MEURT – THÉÂTRE HEBERTOT
Foule des grands soirs au théâtre Hébertot samedi 10 mai pour la dernière du « Roi se meurt ». L’occasion ou jamais de voir Michel Bouquet se glisser dans ce rôle mythique qui lui avait valu le Molière du meilleur comédien en 2005. Acteur légendaire pour pièce légendaire donc ! Et le public ne s’y est pas trompé en accueillant les comédiens par des applaudissements très nourris dès leur entrée en scène.
Le roi Béranger 1er, vieux souverain d’un royaume imaginaire en proie au chaos et à l’agonie, apprend qu’il est malade et qu’il va bientôt mourir. Entouré d’une cour bigarrée (ses deux premières épouses, son médecin, son garde et sa femme de chambre), le vieux roi, manteau pourpre, couronne de pacotille et sceptre en main, veut pourtant s’accrocher au pouvoir et à la vie. Ainsi commencera son long cheminement – refus, révolte puis résignation – avant l’inexorable issue. Dans « Le roi se meurt », Eugène Ionesco questionne l’angoisse de chacun d’entre nous face à la mort et explore l’absurdité de la vie et le tragi-comique de la condition humaine. « J’ai toujours été obsédé par la mort. La mort, c’est la condition inadmissible de l’existence », confiait Ionesco qui avait d’ailleurs échappé de peu à la mort en 1962, peu avant l’écriture de la pièce. Une manière peut-être d’exorciser ses angoisses, « d’apprivoiser la mort », comme le souligne Michel Bouquet.
Quelle belle soirée théâtre dans tous les cas ! Le texte est superbe et l’interprétation, faut-il même le souligner, remarquable. Michel Bouquet, 88 ans, offre une prestation de bout en bout exceptionnelle dans cette pièce qu’il juge au passage « très dure à cause du chahut des sensations différentes par lesquelles l’acteur est obligé de passer, du plus comique au tragique pur ». Mention spéciale également à la comédienne Juliette Carré qui, dans la peau de la perfide reine Marguerite, parvient presque à voler la vedette à son Michel Bouquet de mari. Notons également le grand soin apporté aux costumes et au travail des découpes lumineuses qui illustrent avec beaucoup de pertinence les temps forts de la pièce. La baisse progressive de la lumière sur le visage du vieux roi jusqu’à l’obscurité totale pendant les 30 dernières secondes du spectacle est à ce titre une pure merveille. Plus besoin de texte, tout est dit par le seul jeu des lumières pour symboliser le passage vers l’au-delà.
Une émotion particulière traversa la salle au moment des saluts. Michel Bouquet, petit pas, yeux à moitié clos par la lumière puissante des projecteurs et sourire formidable aux lèvres venait dire adieu à un rôle de légende.
Le point de vue d’Elisabeth
THEATRE HEBERTOT • 78 bis boulevard des Batignolles 75017 Paris
DERNIERE MINUTE : NOUVELLES REPRESENTATIONS AU THEATRE HEBERTOT jusqu’au 25 octobre 2014
Crédit photo ©Laurencine Lot
MOLIERATUS – ESSAÏON THÉÂTRE
Je ne sais pas vous mais à l’évocation des dernières heures de la vie de Molière, je pense à la scène d’ouverture du film inoubliable d’Ariane Mnouchkine, au panthéon de mes films cultes ! On y voit Philippe Caubert/Jean-Baptiste Poquelin incarnant un Argan, affaibli, visage ciré de blanc, s’égosillant clochette en main à répéter son texte dans sa loge avant ce qui sera sa toute dernière entrée sur scène. Ainsi démarre MOLIERATUS, la pièce écrite et mise en scène par Serge Bourhis de la compagnie Alcandre, actuellement à l’ESSAïON THEATRE. Nous sommes le 17 février 1673, dans les coulisses du Théâtre du Palais Royal, avant la 4ème représentation du Malade Imaginaire. Molière, 51 ans, très malade, se prépare à entrer en scène mais la troupe, inquiète, s’affaire autour de lui. Son état de santé lui permettra-t-il de jouer ? La troupe lui survivra-t-elle s’il arrivait malheur ? Et, pour l’heure, comme si la situation n’était déjà pas si préoccupante, Molière doit affronter des tourments plus personnels : la rivalité entre la comédienne Catherine de Brie et sa jeune épouse Armande Béjart (dont beaucoup ne cesseront de la considérer comme sa propre fille et donc d’accuser Molière d’inceste), l’infidélité d’Armande avec un jeune comédien de la troupe, la visite inopinée d’un créancier importun et de celle de Mademoiselle de Scudéry, qui inspira à Molière les précieuses ridicules.
Dès lors, la pièce alterne le récit de ses heures critiques avec les extraits des plus beaux textes de Molière, de Tartuffe au Misanthrope, de Dom Juan aux Fourberies de Scapin. Une élégante et astucieuse manière de faire découvrir ou redécouvrir le répertoire moliéresque en confondant habilement la vie de l’auteur avec celle de ses œuvres, comme le souligne Serge Bourhis : « Je suis parti des zones d’ombres de la vie personnelle de Molière pour créer un spectacle à la frontière de son œuvre et de sa vie ». Ainsi Moliératus répond fidèlement à la vocation pédagogique de la compagnie Alcandre : proposer un théâtre populaire de qualité, notamment à destination d’un jeune public.
Au final, ni complètement séduite, ni tout à fait déçue par MOLIERATUS. L’idée de départ est originale et les comédiens tous très convaincants mais j’ai été moins convaincue par une mise en scène à mon avis inégale, tantôt inspirée, inventive et rythmée (citons les jolies scènes du cauchemar des médecins corbeaux ou du spectre de Madeleine Béjart) tantôt un peu lente (scène de Dom Juan ou des ultimes moments de Molière sur scène vécues par la troupe depuis les coulisses), qui fait s’essouffler par moment l’ensemble.
Dans le même souci pédagogique, Serge Bouhris a signé un autre spectacle dédié aux grandes tragédies de Racine, joliment intitulé « Racine par la Racine ». On m’en a dit beaucoup de bien. Même troupe, même heure, même lieu, le rendez-vous est pris.
Le point de vue d’Elisabeth
ESSAÏON THÉÂTRE • 6 rue Pierre au lard, 75004 Paris
Jusqu’au 28 juin 2014 • Du jeudi au samedi à 20h
Découvir la compagnie ALCANDRE
COUP DE THÉÂTRE 