UN CAFÉ AVEC Valérie Baran, directrice Le Tarmac

Publié le 29 novembre 2015 par Coup de théâtre !

Valérie Baran est la pétulante et souriante directrice du TARMAC, unique théâtre entièrement dédié à la scène contemporaine francophone. Avant la représentation du dernier spectacle de Julien Mabiala Bissila « Au nom du Père, du Fils et de J. M. Weston » (cf. c hronique parue sur notre blog), dans les confins de son bureau, elle a confié à « Coup de Théâtre », avec passion et conviction, ses dix années de défense d’une création scénique en langue française et aux expressions plurielles.

Coup de théâtre : Bonjour Valérie, vous êtes directrice du Tarmac depuis dix ans. Quel est votre parcours ?

Valérie Baran : Fraîchement diplômée d’une école de commerce, je suis partie pour Moscou comme attachée aux questions économiques et sociales et aux relations avec les entrepreneurs Français et Russes dans une grande entreprise. Lors de mon séjour, je découvrais la vie artistique moscovite. Plus particulièrement, je me délectais de lectures de textes de théâtre (même si pour beaucoup le théâtre n’est pas un genre littéraire à part entière). Elles me fascinaient tout comme mes multiples rencontres avec des personnes de toutes origines. A mon retour en France, au gré du hasard – mais est-ce vraiment le hasard ? – on me propose un poste d’attachée aux relations avec le public au Théâtre National de Rennes. Avec enthousiasme, je m’associe à cette formidable aventure.

A ce jour, c’est l’unique théâtre français dédié à la création francophone. Quelle est l’histoire de la création de ce lieu ?

V.B. : Dans les années 2000, j’ai ressenti le besoin de faire une pause professionnelle et de découvrir d’autres contrées, d’autres cultures, d’autres personnalités. Après mon retour de Chine, je me suis présentée à Gabriel Garran, fondateur du Théâtre de la Commune d’Aubervilliers puis du Théâtre International de Langue Française (TILF) installé alors au Pavillon de Charolais du Parc de la Villette, ancienne buvette du marché aux bestiaux aménagées en un théâtre de 160 places. Pourquoi mes pas m’ont-ils conduits jusqu’au TILF ? Sa première mission était de créer un répertoire reflétant la diversité des trajectoires de la langue française à travers le monde. Le TILF révèlera nombre d’auteurs et artistes africains, maghrébins ou encore québécois. J’y ai exercé en qualité de secrétaire générale et administratrice. Lorsque Gabriel Garran prit sa retraite, j’ai été nommée pour lui succéder. Puis en 2011, le Ministère de la Culture nous offre la possibilité de nous installer dans les locaux de l’ancien Théâtre de l’Est Parisien. Dépositaire de l’histoire du TILF et du TEP, le Tarmac est né.

Selon vous, quelle est l’importance de l’existence d’un tel lieu à Paris au cœur d’une offre scénique si vaste ?

V.B. : Le Tarmac, c’est à la fois une invitation au voyage, un espace de rencontre, un tremplin pour les artistes et les compagnies des quatre coins du monde. Essentiellement orientés vers le théâtre et la danse, nous nous engageons pour la création en accompagnant durablement les artistes et en favorisant la circulation au sein de réseaux nationaux et internationaux, des œuvres que nous contribuons à faire naître. Cet universalisme cosmopolite est essentiel à la vitalité d’un théâtre citoyen au sein duquel chaque individu, jeune ou adulte, à sa place et son droit à la parole. Notre public, plus souvent francilien, est représentatif de toutes les composantes sociales et culturelles de notre société, notamment car notre programmation fait écho aux enjeux actuels du monde. Nos actions culturelles et notre politique d’accessibilité permettent également d’ouvrir le Tarmac à tous pour une incitation permanente à abolir les frontières et à démontrer la richesse de nos différences. C’est dans ces conditions que l’art devient un formidable vecteur de transformation sociale et du vivre-ensemble.

LeTARMAC ©EricLegrand

Votre première préoccupation en qualité de directrice d’un lieu scénique, est la programmation. Allez-vous au devant des créateurs à moins que le Tarmac aille à leur rencontre…

V.B. : L’un et l’autre ! Naturellement, nous répondons à de très nombreuses sollicitations. Parallèlement, j’ai la chance de pouvoir aller à la rencontre des artistes là même où ils se nourrissent, travaillent, créent. Les artistes sont les vigiles de leur société, ils ont un rôle politique essentiel. Le Tarmac met en œuvre tous les possibles pour leur permettre de mettre en scène leurs spectacles aussi bien sur le lieu de leur création que de les représenter sur Paris.

Quelles sont vos principales difficultés pour bâtir votre programmation. Sans doute, sont-elles financières comme tout autre lieu de création théâtrale. A celles-ci, ne s’ajoute-t-il pas des obstacles administratifs pour faire venir des troupes implantées au-delà de l’espace Schengen ?

V.B. : Par nature, l’activité théâtrale est déficitaire. Pour le Tarmac, s’y ajoutent des frais multiples – visas, transports, hébergement – sans oublier de trop nombreux problèmes administratifs dont l’obtention des visas. Ces véritables combats pour faire venir des artistes provenant de pays situés hors de l’espace Schengen peuvent expliquer pourquoi des directeurs de salles de spectacles hésitent ou refusent de les produire puis de les programmer. En effet, au-delà d’un simple accompagnement, nous assurons la responsabilité financière et administrative des spectacles que nous produisons, tout en partageant notre expérience et en apportant notre expertise, notre savoir-faire et nos moyens techniques aux artistes. Mais comment peut-on promouvoir la francophonie si on doit sans cesse batailler pour faire venir en France des artistes issus de pays francophones ? Pourtant, ce sont les locuteurs francophones qui enrichissent la langue française d’aujourd’hui. Si la politique culturelle n’évolue pas, notre langue régressera.

Sacré-Printemps-7-Photo-Blandine-Soulage

Sacré-Printemps – Photo-Blandine-Soulage

Quel est votre mot « théâtre » préféré ?

V.B. : Création ! A lui seul, ce mot donne le sentiment qu’on porte la vie d’un spectacle, que l’on favorise sa mise au monde. Une création théâtrale, c’est le bonheur de partager avec le public un projet, une parole différente selon le pays qu’elle représente, une liberté d’expression pour que chacun s’empare de son destin par les voies démocratiques qui lui sont offertes. La perception théâtrale est différente selon le public et le moment. Parfois, elle est en pleine écho avec notre actualité et prend alors un sens qui nous échappe. Lorsque l’on sait que la programmation d’un lieu scénique s’établit à deux années en amont, il nous est impossible d’envisager les évènements qui marqueront notre actualité lors des représentations.

Pour conclure, quels sont les prochains spectacles à découvrir au Tarmac et à ne manquer sous aucun prétexte ?

V.B. : Tous ! J’invite les lecteurs de votre blog à visiter notre site : www.letarmac.fr pour découvrir notre programmation éclectique – théâtre, danse, rencontre, etc. -, une concrète invitation à s’ouvrir au monde.

LE TARMAC, la scène internationale francophone

159 avenue Gambetta, 75020 Paris

Tél. 01.43.64.80.80.

Propos recueillis par Isabelle Lévy

UN CAFÉ AVEC Marion Moinet, costumière de théâtre

Publié le 16 octobre 2015 par Coup de théâtre !

Coupes à plat, essayage toile, technique moulage n’ont plus de secrets pour moi (enfin presque !) depuis que j’ai eu le plaisir de rencontrer la jeune et talentueuse costumière de théâtre Marion Moinet. En partageant un café à la Rotonde, Marion m’a décrit avec beaucoup d’enthousiasme et de fraîcheur son métier au quotidien, la relation privilégiée qu’elle entretient avec les comédiens, ses séances d’essayage et ses virées friperies ! Les pieds bien sur terre et des rêves américains plein la tête, rencontre avec une jeune professionnelle amoureuse de son métier.

Coup de théâtre : Bonjour Marion, vous êtes costumière de théâtre. Quel a été votre parcours ?

Marion Moinet : Après mon bac arts appliqués à Toulouse, j’ai intégré l’école de mode et du costume Paul Poiret à Paris, d’où je suis sortie avec un diplôme DMA (ndlr : Diplômé Métiers d’Arts). Pendant deux ans, j’y ai appris toutes les techniques de couture, de la crinoline au corps à baleine en passant par la technique moulage, qui consiste à sculpter n’importe quel type de costume sur un mannequin à partir d’une toile à patron. A ma sortie de l’école, j’ai commencé à travailler sur de toutes petites productions, souvent gratuitement, avec surtout l’envie de cumuler des expériences, rencontrer des gens du métier et me faire connaître. Progressivement, j’ai réussi à développer mon réseau, à travailler sur des projets de plus en plus importants. A vingt ans, j’ai été embauchée comme assistante chef costumière aux côtés de Carine Sarfati sur la pièce Quadrille au théâtre Edouard VII. Un vrai baptême du feu professionnel car c’était une « grosse » production dans l’un des plus beaux théâtres parisiens avec une belle distribution de comédiens reconnus comme François Berléand et Pascale Arbillot. Nous avions conçu une quinzaine de costumes car les quatre comédiens avaient deux à trois changements de costume chacun ! Après cette expérience sur Quadrille, j’ai rencontré le metteur en scène Benjamin Porée avec qui je continue de collaborer d’ailleurs. J’ai travaillé avec lui sur Andromaque au théâtre de Vanves et l’année suivante sur Platonov toujours à Vanves, présenté également en 2014 aux Ateliers Berthier. C’était là aussi une très grosse production avec dix-sept comédiens qui avaient trois à quatre changements de costumes chacun! J’avais réalisé une cinquantaine de costumes années vingt sans compter la trentaine de figurants, un travail phénoménal et passionnant avec un budget vraiment serré ! J’ai eu des expériences également au cinéma, quelques courts métrages et un long métrage qui malheureusement n’est pas sorti en salles, faute de financement. J’essaye aussi de travailler dans le domaine de la danse mais je reste spécialisée dans les productions théâtrales.

QUADRILLE – 2012
Mise en scène : Bernard Murat
Costumes : Carine Sarfati assistée de Marion Moinet

Au quotidien, quelles sont les grandes étapes de votre travail ?

M.M. : Au tout départ quand j’arrive sur un projet théâtral, je lis et je décortique la pièce, en notant tous les personnages et leurs psychologies. Je fais ensuite un tableau purement « technique » acte par acte, scène par scène, lieu par lieu, situation par situation pour calculer le nombre de costumes à réaliser par comédien et prévoir le timing des changements. Ensuite, je rencontre le metteur en scène pour connaître ses intentions de mise en scène, l’univers et l’époque bien sûr dans lequel il souhaite travailler. Et seulement après, je rencontre les comédiens un par un et j’échange avec eux sur leur manière d’appréhender leur personnage car naturellement les lectures peuvent être très différentes d’une personne à l’autre. L’objectif est de s’accorder sur la psychologie des personnages. C’est un moment d’ailleurs très sympa, où l’on se prend à imaginer la vie de tel ou tel personnage en dehors de la pièce ! (rire). Dans cette phase, qui est l’une des plus intéressantes dans mon travail, je discute souvent avec eux pour savoir ce qu’ils acceptent ou refusent de porter, s’il y a des exigences ou des refus particuliers. Enfin, je passe à la recherche iconographique à partir de supports variés (tableaux, livres historiques, recherches iconographiques de style,..) et je me lance ! Soit je fais les dessins, je vais acheter les tissus et ensuite je pars à l’atelier pour réaliser les costumes, Soit je fais du shopping ! Dans ce cas, je travaille souvent en friperie comme Mamie Blue vers Barbès, spécialisée dans les vêtements années cinquante, soixante et Falbala, une grande friperie aux puces de Saint-Ouen, animé par des personnes passionnées et ultra compétentes, qui est devenue une véritable institution !

A partir de quels outils ou supports travaillez-vous ?

M.M. : Je m’appuie beaucoup sur mes cours d’histoire du costume et d’histoire du théâtre, que j’ai suivis pendant mon DMA. Je travaille également à partir d’ouvrages spécialisés dans les métiers d’art, la mode, le costume que je possède ou que je déniche à la bibliothèque Forney à Saint-Paul. Et puis, je surfe bien sûr sur internet où je puise énormément d’informations. A mes débuts, je travaillais chez moi mais c’est vite devenu épuisant et inconfortable. Aujourd’hui, je travaille dans un grand atelier participatif, l’Atelier 360 à Villejuif, qui met à disposition tout le matériel dont chaque costumier a besoin : ciseaux, règles, machine à coudre, table de coupe…On adhère à l’association et on paye à la journée. C’est assez pratique et beaucoup plus efficace et agréable de travailler dans ces conditions que chez soi.

PLATONOV – 2014
Mise en scène : Benjamin Porée
Costumes : Marion Moinet

Racontez-nous une séance d’essayage

M.M. : Au départ, je montre des maquettes pour montrer mes axes de travail et puis je passe à l’ essayage toile, c’est-à-dire l’ébauche du vêtement avec une toile couleur beige mi-rigide mi souple qui n’est pas le tissu définitif. C’est une étape très utile pour moi car je peux faire, défaire, couper, refaire, ça ne coûte rien. Et ca me permet de m’imaginer si cela va aller ou pas. Mais pour les comédiens en revanche, ce n’est pas très agréable car c’est un tissu qui ne met pas en valeur. J’essaye de les rassurer ! (rire). Au deuxième essayage, on ajuste, on change quelques lignes. On n’est jamais à l’abri de négociations, d’arbitrages avec le metteur en scène. Mais Je fais partie des costumières qui préfèrent que le comédien se sente bien dans son costume, à l’aise sur scène, plutôt que de lui imposer quelque chose qui ne lui plairait pas.

Et justement quand vos propositions de costume ne plaisent pas ?

M.M. : C’est déjà arrivé même si je mets tout en œuvre pour que cela n’arrive pas ! (rire). Il peut y avoir des moments de frustration intenses où je vis des décalages entre mes propres goûts et les attentes d’un metteur en scène. Mais au fil des années, j’ai appris à faire la part des choses entre un caprice de comédien et un réel besoin artistique. Il m’est arrivé de proposer des costumes que je trouvais superbes et qui n’étaient pas au goût des metteurs en scène. Il faut composer, négocier, être à l’écoute, dialoguer aussi beaucoup dans ce métier. Et travailler vite et bien car les délais de réalisations des costumes sont souvent très serrés. Je vis souvent des journées à 100% parfois épuisantes mais au bout du compte, je suis toujours satisfaite d’aller au bout.

Quelle est la principale satisfaction de votre métier ?

M.M. : C’est de sentir que je fais partie d’une aventure collective même si je travaille seule une grande partie du temps. Dans la production d’un spectacle, on se retrouve tous, les comédiens et l’équipe backstage pour le montage, les répétitions générales, ce sont des moments forts que j’aime beaucoup. Toutes les premières avec les costumes sur scène me procurent beaucoup d’émotions (rires) ! Et puis j’aime mon rapport aux comédiens.

TRILOGIE DU REVOIR – 2015
Mise en scène : Benjamin Porée
Costumes : Marion Moinet

A propos, quelles relations entretenez-vous avec eux ?

M.M. : Je dirais que j’entretiens une relation assez intime avec eux, car je travaille sur leurs corps et je les vois souvent en sous-vêtements. Habiller quelqu’un c’est forcément rentrer dans une grande proximité ! Et puis, j’entretiens une relation de complicité, de partage car le costume est une étape charnière pour un comédien dans la construction d’un personnage au-delà du texte et des intentions de mise en scène. J’ai en face de moi une personne en construction, assez fragile. Charge à moi de réussir à le mettre à l’aise, en confiance, à essayer de co-construire le personnage ensemble via le costume. C’est pour cela que la phase essayage est un moment formidable ! Ca leur permet vraiment de rentrer dans la peau de leur personnage, d’accentuer ou de diminuer tel ou tel trait de personnalité par exemple. C’est magique d’autant que j’ai toujours été fascinée par le travail des comédiens, cette capacité à s’oublier complètement pour être un autre…

Quels sont les derniers projets sur lesquels vous avez collaboré ?

M.M. : La dernière pièce, c’était Trilogie du revoir à Avignon mis en scène par Benjamin Porée et un spectacle de danse contemporaine de Jeff Mills, un DJ américain, consacré à une rétrospective sur Stanley Kubrick à la Philharmonie de Paris. Il s’agissait de créer des costumes inspirés d’un univers 2001 l’Odyssée de l’espace. Quand je travaille pour des spectacles de danse, j’ai une liberté beaucoup plus grande que pour le théâtre car la dramaturgie est moins stricte à respecter. C’est l’esthétisme et le confort pour les danseurs qui prime avant tout. J’ai travaillé également en 2014 sur Platonov aux ateliers Berthier, après deux saisons au théâtre de Vanves dont je parlais tout à l’heure. Une très belle aventure car on se connaissait bien avec toute l’équipe de la pièce, on s’est beaucoup serré les coudes pour ce spectacle ambitieux !

PLATONOV – 2014
Mise en scène : Benjamin Porée
Costumes : Marion Moinet

Merci Marion. Quelle est votre actualité ? Vos projets ?

M.M. : Actuellement, je poursuis ma collaboration avec Jeff Mills mais je ne peux pas en dire vraiment plus car c’est en cours. Je travaille toujours avec ma compagnie sur la reprise et la tournée de Trilogie du revoir qui débutera en février prochain. Et puis j’ai le projet de partir travailler aux Etats-Unis et de rejoindre un atelier new-yorkais qui fabrique des costumes non stop pour des spectacles très cabaret, très Broadway, très show ! Les costumes sont souvent excentriques, parfois délirants et ne servent que pour quelques représentations. On est loin des méthodes de travail telles que je les connais en France, où l’on accorde beaucoup de temps et de réflexion à la recherche dramaturgique. Là-bas, on crée, on jette, on récupère, on recycle…on travaille nuit et jour ! C’est totalement différent de ce que j’ai connu jusqu’alors mais cela pourrait être très complémentaire !

Propos recueillis par Elisabeth Donetti

www.marionmoinet.com

UN CAFÉ AVEC David Roux – directeur publication et responsable communication des Théâtres Parisiens Associés

Publié le 16 septembre 2015 par Coup de théâtre !

Flash back au coeur de l’été. 24 juillet dernier, pas de café en terrasse exceptionnellement mais un rendez-vous téléphonique avec David ROUX, directeur de la publication et responsable communication des Théâtres Parisiens Associés. Trois mots qui cachent une belle aventure au service du théâtre privé. Vocation, mission et enjeux des Théâtres Parisiens Associés, David Roux nous dit tout !

Bonjour David, pourriez-vous nous présenter le réseau des Théâtres Parisiens Associés (TPA) ?

David Roux : Théâtres Parisiens Associés est une enseigne commerciale grand public, créée en 2010, qui regroupe à ce jour 55 théâtres privés parisiens, tous adhérents de l’Association pour le Soutien du Théâtre Privé (ASTP), qui existe depuis 1964. Un mot sur cette association qui a pour rôle principal de soutenir la création de spectacles, les emplois artistiques ou techniques et ainsi de permettre aux théâtres de produire leurs spectacles et de continuer à être indépendants. L’association perçoit une taxe fiscale et organise ensuite un système de redistribution solidaire entre les différents théâtres privés du réseau, via la gestion d’un fonds de soutien. Schématiquement, c’est un système de mutualisation des risques qui permet aux succès des uns de financer, sinon d’amortir, les échecs des autres.

Quelle est la vocation du réseau TPA ? Et ses objectifs ?

D.R : La vocation de notre réseau, c’est d’apporter une réponse collective aux enjeux des théâtres privés aujourd’hui et notamment de lutter contre la montée en puissance d’un certain nombre d’opérateurs de billetterie. Depuis le début des années 2000, c’est vrai qu’un certain nombre d’acteurs dans ce domaine ont commencé à prendre énormément de poids, parfois trop et parfois au détriment des théâtres eux-mêmes. Il y a donc eu cette volonté commune d’essayer de sortir de la dépendance de ces billetteries en ligne et de communiquer davantage et collectivement sur Internet, en partant de l’idée qu’on est plus fort à 55 que chacun dans son coin. Cela nous a amenés à créer ce portail commun, qui est tout simplement une vitrine de la programmation des 55 théâtres du réseau. Notre rôle : offrir un maximum de visibilité à nos théâtres via notre site web et donner envie aux internautes de réserver. Il faut bien préciser que chaque théâtre reste maître de sa programmation, de ses choix artistiques, de sa politique tarifaire et que TPA n’est pas une entité qui émet de la billetterie… Concrètement, lorsqu’on clique sur le bouton « RÉSERVER », l’internaute est redirigé vers la billetterie du théâtre concerné. Dans tous les cas, on est à un moment où, les directeurs de nos théâtres ont bien compris que le théâtre et le numérique ne sont pas des forces contradictoires mais bien au contraire des forces complémentaires. Beaucoup sont désormais persuadés qu’Internet est un formidable outil à leur disposition pour mettre en avant leur spectacle et attirer du monde.

Pourquoi avoir baptisé le réseau « Théâtres Parisiens Associés » ?

D.R : D’une part, pour s’affranchir de la sémantique « théâtre privé » qui fait référence à un système économique mais dont le public n’a pas forcément conscience ou connaissance et d’autre part pour éviter d’utiliser le mot « privé » pour parler de lieux dont la vocation est d’accueillir du public !

Quelles valeurs théâtrales défendez-vous aujourd’hui ?

D.R. : A travers notre réseau, nous défendons bien sûr des valeurs de qualité mais avant tout des valeurs d’éclectisme et de diversité. Tous nos théâtres possèdent leur propre ligne éditoriale ce qui rend l’offre très variée : certains sont spécialisés dans la comédie ou le one man show, d’autres proposent un théâtre plus exigeant, moins purement divertissant, comme le théâtre de l’Œuvre ou le théâtre de l’Atelier. Dans tous les cas, notre position n’est pas d’influer sur la programmation des théâtres car nous défendons leur indépendance.

Le réseau dispose de 55 théâtres à ce jour. Quelles sont les conditions d’adhésion pour un théâtre ? Y a-t-il des contraintes (taille, répertoire, capacité…) ?

D.R : D’abord, le théâtre doit en faire la demande auprès de l’ASTP. Puis, lorsqu’on est adhérent à l’ASTP et qu’on est une salle parisienne, on intègre automatiquement le réseau TPA. Parmi les critères d’adhésion principaux, il y a le fait que nos théâtres doivent produire plus des trois quarts des représentations données chaque année. Nos théâtres ont donc tous en commun d’être des théâtres producteurs, contrairement à d’autres théâtres d’économie privée, qui, eux, se contentent de louer leur espace. Ensuite, le théâtre ne doit toucher aucune subvention publique et, bien sûr il doit aussi impérativement respecter toutes les normes de sécurité, d’accueil du public ainsi que les conventions collectives, qu’il s’agisse des statuts et droits des techniciens, des salariés administratifs ou des artistes. Quand des comédiens se produisent sur scène, ils doivent tout à fait normalement toucher un salaire. Ils ne doivent pas payer pour jouer comme cela arrive parfois dans certains petits « théâtres ». Par ailleurs, il y a des obligations d’emploi permanent de personnel administratif et de personnel technique liées à la jauge du théâtre, c’est-à-dire à la capacité d’accueil du public. Par exemple, une salle avec une jauge de 800 places va devoir compter dans ses effectifs deux techniciens permanents et deux administratifs. Evidemment, selon les besoins de chaque spectacle, il peut y avoir plusieurs techniciens supplémentaires employés par le théâtre comme intermittents. Ces exigences d’emploi permanent varient selon la jauge des théâtres.

Campagne d’affichage septembre 2014

De quels outils de communication disposez-vous pour offrir de la visibilité au réseau ?

D.R : Il faut préciser avant tout que nous avons des moyens limités et qu’il faut faire nécessairement des choix. Pour faire simple, tout est exclusivement concentré sur notre site web et nos réseaux sociaux. On tente de trouver des alternatives qui ne sont pas trop « gourmandes » financièrement parlant. On a développé par exemple un partenariat avec le journal Le Parisien et son club d’abonnés. On essaye de développer des partenariats avec des blogs théâtre et/ou des blogs culturels. En revanche, pour certains évènements importants, comme le lancement de notre nouveau site web en mai 2014, nous avions diffusé une grande campagne d’affichage dans le métro, noué des partenariats médias avec des supports comme Les Echos, Télérama, Le Parisien. On s’est donné des moyens exceptionnels qu’il est malheureusement impossible, du moins difficile, de mobiliser chaque année.

Parlez-nous justement de cette refonte complète du site web en mai 2014. Quels ont été les changements majeurs ?

D.R : Quand nous avons décidé de refondre notre site web, il avait déjà quatre ans et commençait à être obsolète. Il n’était pas en vérité conçu et tendu vers un but commercial. L’objectif de cette refonte a donc été, sans se départir de l’aspect qualitatif du site, de flécher davantage vers une efficacité commerciale tout en maintenant l’attractivité et la richesse de notre offre (100 à 150 spectacles sont proposés en permanence dans le réseau). Concrètement, on a privilégié l’affichage de grands visuels, cherché à développer une navigation spontanée, intuitive et bien sûr valoriser les offres promotionnelles. Il a fallu d’ailleurs être didactique, pédagogique auprès des directeurs de théâtre et leur démontrer que la vocation commerciale d’un site web n’était pas une maladie honteuse ! Dans tous les cas, ce qui est très encourageant, c’est que cela s’est traduit par des chiffres en constante augmentation. On naviguait autour de 850 000 visiteurs uniques en 2014. A partir de février 2015, on a enregistré une progression située entre + 25% et + 60% par rapport à l’année précédente à la même époque ! Aujourd’hui, on comptabilise 80 000 à 100 000 visiteurs uniques par mois et on vise le million de visiteurs uniques pour l’année 2015 ! Globalement, les courbes de fréquentations de notre site suivent exactement la courbe de fréquentation des salles, c’est-à-dire des pics sur la période septembre-décembre, une grosse baisse en janvier, un regain entre février et avril puis un reflux à partir de mai et sur la période estivale. Mais notre travail est de continuer au jour le jour à enrichir le contenu du site et améliorer son efficacité commerciale.

Et connaissez-vous le taux de réservation ?

D.R : Malheureusement non ! C’est une donnée très importante que l’on cherche à obtenir mais on ne dispose pas encore des chiffres, pour la bonne et simple raison que lorsque l’internaute clique sur le bouton « RÉSERVER », il est redirigé vers la billetterie du théâtre et que, à ce jour, aucun des trois gros logiciels de billetterie utilisés par nos théâtres n’est en mesure de fournir ce type de statistiques. C’est très frustrant de ne pas pouvoir tracer ces statistiques même si on a bon espoir de les récupérer un jour ! Je peux vous confirmer en revanche que le trafic généré par le site est très qualifié car le taux de clics sur le bouton « RÉSERVER » est de l’ordre de 34% – 37% en moyenne, ce qui est très satisfaisant !

Au quotidien, comment fonctionnez-vous ? Quels sont les domaines d’action ? Y a-t-il une équipe dédiée ?

D.R : Nous sommes une équipe réduite et très souple. Au quotidien, nous travaillons avec une agence web qui met à disposition un web manager chargé du référencement, des développeurs et des community managers en charge d’animer nos réseaux sociaux. Dans ce domaine, le travail effectué commence à porter ses fruits par exemple avec plus de 24 500 personnes qui nous suivent sur Facebook et près de 3 500 followers sur twitter.

Comédie des Champs-Elysées – membre du réseau TPA

Plus globalement, quels sont, selon vous, les enjeux du théâtre privé aujourd’hui ?

D.R : Les défis sont nombreux et existent, en réalité, depuis toujours : faire des succès, faire émerger des auteurs qui rencontreront un écho, qui trouveront leur public. Je reste persuadé que, quel que le soit le théâtre, quelle que soit l’économie du théâtre, un auteur saura rencontrer son public si la qualité, la créativité, et l’inattendu sont au rendez-vous. Les succès de Sébastien Thiery ou d’Alexis Michalik tendent à le prouver. Tout cela me donne confiance dans le public des théâtres privés qui ne réservera pas uniquement un billet pour une tête d’affiche ou une star de télé, mais saura se laisser séduire, surprendre par de nouvelles signatures ou de nouveaux univers théâtraux. Quand on va voir un Shakespeare à la Porte Saint-Martin avec Lorant Deutsch, je suis persuadé que beaucoup de personnes vont voir un Shakespeare pour la première fois et y découvrent une modernité. L’enjeu principal, c’est de faire savoir que ces pièces-là existent dans un contexte où l’offre culturelle est de plus en plus riche, de plus en plus accessible depuis son canapé sans bouger et parfois même sans payer.

Merci David. Et pour conclure, quelle est l’actualité et les projets de TPA ?

D.R : Tout simplement de continuer à communiquer le plus efficacement possible pour que nos théâtres en recueillent les fruits. Cela signifie concrètement continuer à doper la fréquentation de notre site. On réfléchit aussi à mettre en place des contenus vidéo, développer de nouveaux partenariats avec d’autres enseignes que Le Parisien … Les idées ne manquent pas, on y travaille !

Propos recueillis par Elisabeth Donetti

Pour aller plus loin :

http://www.theatresparisiensassocies.com/

http://www.astp.asso.fr

UN CAFÉ AVEC Vincent Deniard, comédien

Publié le 17 juin 2015 par Coup de théâtre !

Crédit : kaarl-photography.com

Le rendez-vous est pris place de la Madeleine par une belle soirée de juin. J’ai le plaisir ce soir-là de rencontrer le comédien Vincent Deniard, qui s’est illustré aussi bien au théâtre (Sunderland, Le Porteur d’histoire, Le Temps des suricates …) qu’au cinéma ou à la télévision. D’une courtoisie extrême, Vincent Deniard m’a relaté son parcours et livré ses réflexions sur son métier et ses aspirations. Dans une brasserie tranquille de la rue Duphot, rencontre chaleureuse avec un comédien authentique, amoureux de son métier et dont l’unique moteur est le plaisir de jouer. Encore et encore.

Bonjour Vincent, devenir comédien, c’était un « rêve de gosse » ?

Vincent Deniard : Absolument ! Le déclic a eu lieu à l’âge de 12 ans : notre professeur de musique de 4ème avait monté une adaptation de West Side Story pour la fête de fin d’année du collège et m’avait confié le rôle de Tony, le personnage principal masculin. Et à ce moment précis, j’ai eu une sorte de révélation, je suis tombé amoureux du théâtre, du jeu, des costumes, des applaudissements. J’ai commencé à m’intéresser à tout ce qui touchait à l’art dramatique, j’ai lu Stanislavski, je me suis renseigné sur les formations, les écoles, le Conservatoire, etc… A 15 ans, j’ai fait mon premier stage d’été au cours Florent. Puis, après une année d’hypokhâgne au lycée Champollion de Grenoble, je me suis installé à Paris et j’ai intégré le Cours Florent à 18 ans.

Pouvez-vous nous décrire les grandes étapes de votre parcours ?

V.D. : Après la Classe Libre du Cours Florent en 2001, j’ai eu assez vite quelques expériences de tournages, de pièces sans pour autant vivre de mon métier, comme c’est souvent le cas. Et puis en 2003, j’ai eu la chance d’être choisi par le réalisateur Cédric Kahn comme second rôle masculin dans son film Feux rouges avec Jean-Pierre Darroussin et Carole Bouquet. Cela aurait pu être un tremplin mais le film n’a pas marché, et je suis reparti presque de zéro. J’ai continué à évoluer dans le métier, à rencontrer des gens, et petit à petit j’ai commencé à faire beaucoup de théâtre, dans des projets très différents. En 2004, je joue le rôle d’un garde du corps un peu cinglé dans Si j’étais diplomate d’Alain Sachs au théâtre Tristan Bernard ; deux ans plus tard, je travaille avec Joël Jouanneau pour Claire en affaires à la Cité Internationale. Je joue aussi dans des spectacles classiques ou historiques : Le Cid au Silvia Monfort ou Ravaillac dans le Henri IV de Daniel Colas en 2010 aux Mathurins. 2011 est une année importante pour moi puisque je suis choisi par Stéphane Hillel pour jouer au Petit Théâtre de Paris le rôle de Gaven, le hooligan au grand cœur, dans Sunderland, la pièce anglaise de l’auteur français Clément Koch. Une très belle aventure : j’ai joué ce spectacle presque 300 fois, de septembre 2011 à juin 2013 ! Dans tous les cas, ce que j’aime c’est naviguer entre plusieurs univers, passer d’un genre théâtral à un autre, passer également du théâtre à l’image et ne pas me cantonner à un type de rôle ou à un répertoire. Cela fait partie des raisons pour lesquelles je fais ce métier.

Le Porteur d’histoire
Crédit : Alejandro Guerrero

Un mot sur une autre belle aventure : Le Porteur d’histoire. Comment êtes-vous arrivé sur le projet ?

V.D. : C’est moi qui suis allé au-devant d’Alexis Michalik (ndlr : l’auteur et metteur en scène). A l’époque où je jouais Sunderland, je ne le connaissais pas mais je l’avais invité à une représentation. Il était venu et avait beaucoup apprécié. Ensuite, j’ai eu la chance d’aller voir Le Porteur d’histoire à sa création au Studio des Champs-Élysées en février 2013. J’avais adoré le spectacle et je le lui ai écrit, tout simplement. Peu de temps après, par chance, il cherchait une alternance pour le rôle et j’ai été engagé.

Quelles ont été les retombées vous concernant ?

V.D. : C’est un grand plaisir de jouer Le Porteur car c’est un spectacle écrit pour les comédiens, contrairement à beaucoup d’autres pièces qui ont tendance à davantage faire la part belle aux metteurs en scène. Avec Alexis Michalik, ce n’est pas le cas : c’est d’abord un comédien qui écrit pour des comédiens. Il ne supporte pas par exemple l’idée qu’un acteur attende trente minutes en coulisses avant d’entrer scène. Dans cette pièce, on est tous sur le plateau pendant 1 heure 30 quasiment non stop ! On passe d’un personnage à un autre en changeant uniquement de costume, en ajoutant un accessoire, une moustache, une casquette, que sais-je… Personnellement, je me régale, d’autant que ma partition est celle qui contient le plus de personnages différents. J’aime ce défi, ce tour de force !

Comment expliquez-vous le succès que rencontre la pièce depuis 2013 ?

V.D. : Je crois que cela tient à quelque chose de très simple, je dirais même de primaire, d’instinctif, d’essentiel. On est transporté par une belle histoire qui se lit comme un conte, même si par moments il s’agit une histoire complexe. On ne se pose pas de questions, on se laisse seulement emporter ! C’est une écriture qui ne tombe pas dans les travers de notre époque que sont le cynisme ou l’ironie permanente. Et chez la grande majorité des spectateurs, l’émerveillement fonctionne à plein. On les voit à la fin du spectacle, tout le monde retrouve ses yeux d’enfant ! C’est la première pièce où je constate que des spectateurs viennent, reviennent, puis re-reviennent! J’ai même rencontré un jour un monsieur qui l’avait vue vingt fois (rire) ! C’est un spectacle qui a ses vrais fans et c’est une chose rare ! Aujourd’hui, la pièce est jouée simultanément à Paris, en province, et dans la francophonie (Tahiti, Liban…)

Vincent Deniard et Marc Citti dans Le Temps des suricates

Autre beau succès, Le Temps des suricates que vous avez joué cet hiver aux Béliers Parisiens puis au Ciné 13. Comment est née cette pièce et votre collaboration avec l’auteur et votre partenaire sur scène, Marc Citti ?

V.D. : Marc et moi faisions partie de la seconde équipe du Porteur en septembre 2013. On a joué la pièce ensemble pendant plusieurs mois. Et puis un jour, il est venu avec un texte qu’il m’a demandé de lire. A l’époque, la pièce s’appelait Oyonnax blues, et j’ai adoré. C’est un texte par moments très autobiographique, qui nous montre deux acteurs dans leur loge pendant une représentation d’Hamlet, et qui nous raconte leurs frustrations et leurs espoirs. La pièce transpire d’une grande honnêteté, ce qui se dit sur le métier est très vrai, parfois cruel. On a eu quelques collègues comédiens qui sont venus voir la pièce et qui ont pu ressentir les choses de façon violente parce que c’est dur par moments ce qui se dit sur le métier. Mais en même temps, c’est très drôle ! Il y a une grande lumière, une grande force dans les personnages, à travers leurs espérances et leurs rêves d’enfants. Et c’est à mon avis quelque chose de très important dans notre métier. Continuer à avoir les yeux qui brillent, garder sa part d’enfance.

Et quel est votre regard sur le sujet de la pièce, la condition parfois ingrate, cruelle du métier de comédien ?

V.D. : Edouard mon personnage n’est pas un mauvais comédien, c’est un comédien qui ne s’est pas entendu avec son metteur en scène, comme cela arrive parfois, et qui est en doute, en souffrance, en perte de confiance. Cette relation metteur en scène-comédien est précieuse, il faut que ça se passe bien. Personnellement, je ne peux pas travailler dans le conflit, j’ai besoin de travailler dans une bienveillance, une générosité voire un sorte de douceur. La grande différence entre Edouard et moi, c’est qu’il n’est pas dans le plaisir. Moi, je fais ce métier tout simplement parce que c’est mon plaisir de jouer sur scène, de jouer devant une caméra, de réinventer, de revisiter un texte chaque soir. Vous savez, je crois que si on n’aime pas profondément ce que l’on fait, on peut très vite être malheureux et frustré dans ce métier, se dire qu’on n’est pas là où l’on devrait être. C’est quelque chose qui peut être douloureux. Dieu merci, je n’en suis pas du tout là ! (rires)

Il y a une scène très drôle dans Le Temps des suricates dans laquelle vous manquez votre entrée sur scène. Et dans la vie, jamais de couac sur scène ?

V.D. : Non très rarement, heureusement ! Je suis quelqu’un de plutôt anxieux, du coup très à l’écoute de ce qui se passe sur le plateau. Mais il est vrai qu’il peut arriver toutes sortes de mini-incidents au théâtre, comme ces trous de texte qui restent toujours quelque chose de terrifiant même après des années de métier. Dans Le Porteur d’histoire par exemple, j’ai un long monologue de sept minutes face public, pendant lequel je raconte une histoire plutôt très complexe à mon partenaire, que je ne vois d’ailleurs pas. Et bien même après 300 représentations, ce moment du spectacle reste toujours un point d’orgue, un moment périlleux !

Henri IV

Vous avez le trac avant d’entrer en scène ?

V.D. : Je suis toujours un peu fébrile oui…. D’ailleurs dans ce domaine je ne crois pas du tout à la citation célèbre qu’on attribue à Sarah Bernard qui, en réponse à une jeune comédienne qui se targuait de ne pas avoir le trac, lui aurait répondu « Vous verrez, ca viendra avec le talent ». Je pense au contraire qu’il faut tendre à atteindre une sorte de graal qui serait de ne plus du tout avoir le trac. Certains soirs j’y parviens -plus ou moins- ce qui est le signe d’une meilleure détente, d’une plus grande disponibilité avec les partenaires et le public. Avec le temps et l’expérience j’ai appris à mieux me détendre, mais la disparition complète du trac reste, comme je vous le disais, un graal absolu.

Quelles sont les qualités indispensables pour faire ce métier aujourd’hui ? Quels conseils donneriez-vous à un jeune comédien ?

V.D. : Je conseillerais de prendre des cours, mais de ne surtout pas attendre la fin de sa formation pour travailler, pour rencontrer des gens, pour monter ses projets. Parce que c’est un métier qui s’apprend en travaillant. Moi, je n’ai pas appris mon métier à l’école, je l’ai appris en jouant des spectacles 100, 200, 300 fois. Je l’ai appris en tournant dans des court-métrages, des téléfilms. C’est un métier qui requiert une certaine souplesse émotionnelle, physique même. Ne pas avoir peur d’être sur tous les fronts, de sortir, d’aller au théâtre, de voir ce qui se fait sur Internet parce qu’il y a des personnes qui y arrivent par ce biais. Et à un moment donné, faire un choix, savoir vers quelle « famille », quel genre se diriger par rapport à ses goûts personnels. C’est un métier où l’on apprend à se connaître tout simplement. Même si je n’aime pas me cantonner à un répertoire en particulier comme je l’expliquais plus tôt, mais je vois ce qui me correspond le plus avec les années. D’abord avec mon physique (NDLR : 1m98 pour 130 kilos) qui est à la fois une chance et un handicap, quelque chose qui me distingue, quelque chose qui me permet de donner une couleur à mes personnages. Je peux en jouer. Comme dans Le Temps des suricates, là je suis le grand géant qu’on ne voit pas, parce qu’Edouard n’assume pas son corps. C’est un métier qui demande d’être très connecté à son enfance, de garder un grain de folie, une certaine fantaisie et d’être dans une disponibilité d’esprit permanente.

Vous jouez également au cinéma et à la télévision. A choisir, que préférez-vous entre théâtre, cinéma ou télévision ?

V.D. : Je ne sais pas si je pourrais me passer de l’un ou de l’autre car j’aime la complémentarité ! J’ai la chance depuis quelques années de pouvoir naviguer entre théâtre et tournages. J’ai joué d’ailleurs récemment dans une série télévisée – Le Lac – avec un réalisateur que j’aime beaucoup, Jérôme Cornuau, qui m’a confié un très beau rôle. En ce moment, j’ai davantage envie de tourner car ces dernières années ont été très riches au théâtre.

Sunderland
Crédit Pascal Gely

Quelles différences entre le jeu au théâtre et le jeu au cinéma ou à la télévision ?

V.D. : Difficile à dire car c’est le même métier au final : on joue un texte, une situation, qu’on doit rendre vivants, et humains du mieux possible. Mais aujourd’hui, au cinéma ou à la télévision, on n’a matériellement plus le temps de faire 10, 15, 20 prises, on doit être bon tout de suite, être dans une immédiateté. J’aime cet aspect là du travail, se jeter à l’eau tout de suite. Au théâtre, certes, on travaille « sans filet » mais on a le temps pendant les semaines de répétitions de travailler un personnage et de continuer à le « polir » sur scène chaque soir. Les deux plaisirs sont différents.

Poursuivez-vous un objectif de carrière aujourd’hui ?

V.D. : Non, pas vraiment même si je suis quelqu’un d’ambitieux. Mais l’ambition dans ce métier, c’est compliqué car on est toujours dépendant du bon vouloir des autres. Mon souhait finalement ce serait tout simplement de rester dans ce métier, ce qui n’est déjà pas simple, de continuer à en vivre, de continuer à faire de belles rencontres, de jouer des rôles de plus en plus complexes qui ne soient pas des utilités, des rôles où mon physique ne soit pas le critère déterminant.

Sinon, avez-vous le temps d’aller au théâtre ? Quel spectateur êtes-vous ?

V.D. : Je dois vous avouer que je vais peu au théâtre ! D’abord parce qu’avec mon gabarit on est mieux sur scène que dans la salle ! (rires) Et surtout quand on joue soi-même beaucoup, c’est très compliqué. Mais quand je peux, je vais voir des amis jouer. J’ai vu deux spectacles cette saison qui m’ont beaucoup plu : La Vénus à la fourrure avec Marie Gillain et Nicolas Briançon et The Servant avec mon camarade Maxime d’Aboville qui a reçu le Molière du meilleur comédien cette année. On s’est connu avec Maxime sur la pièce Henri IV, dans laquelle je jouais Ravaillac et Maxime le prince de Condé. On n’avait pas de scène ensemble mais on a sympathisé. J’ai vu également Des Fleurs pour Algernon avec Grégory Gadebois, un comédien que j’admire beaucoup pour son talent et son parcours. J’ai un souvenir de lui lorsque je passais le concours du Conservatoire vers 22/23 ans. Pendant que j’attendais mon tour sur le trottoir, j’ai vu arriver ce type en moto, un peu enrobé avec des cheveux longs et je me suis tout de suite dit « Lui il en impose ! » et c’était Gadebois !

Le temps des suricates

Avez-vous un rêve théâtral ?

V.D. : J’aurais beaucoup aimé travailler avec Patrice Chéreau… Marc Citti m’en a beaucoup parlé, il vient d’ailleurs de publier un livre consacré à ses années avec Chéreau (NDLR : Les Enfants de Chéreau, ed. Actes Sud). J’adorerais jouer un jour aux Bouffes du Nord. Pour ce qui est des rôles, j’aime depuis toujours Cyrano de Bergerac, énorme texte, énorme rôle, j’adore le film avec Depardieu. J’aime aussi beaucoup le rôle de Stanley dans Un Tramway nommé désir. D’ailleurs l’univers de Tennessee Williams, cette moiteur du sud des Etats-Unis, c’est un répertoire que j’aimerais beaucoup explorer. On me parle aussi souvent du personnage de Lennie dans Des Souris et des hommes. On ne sait jamais, peut-être qu’un jour une autre adaptation du texte de Steinbeck se montera…

Quels sont vos projets, vos actualités ?

V.D. : Côté théâtre, nous reprenons avec Marc Citti Le Temps des Suricates au Festival Off d’Avignon du 4 au 26 juillet à 12h20 au Théâtre des Béliers. Sinon, je continue Le Porteur d’Histoire, toujours en alternance jusqu’en décembre 2015 au Studio des Champs-Elysées. Côté télévision, la série Le Lac avec Barbara Schulz sera bientôt diffusée sur Tf1. Et j’ai participé à un premier long métrage aux côtés de Melvil Poupaud, Le Grand jeu, qui sortira en fin d’année. Et puis je lis des textes, je passe des auditions, on verra bien !

Merci Vincent ! Et pour conclure, quel est votre « mot théâtre » préféré ?

V.D. : Eh bien excusez-moi Elisabeth mais je vais vous dire « merde » ! (rires) Tout simplement parce que c’est ce qu’on se dit tous les soirs avec les partenaires avant de rentrer sur scène, et pour moi c’est un très joli mot car c’est comme « action » ou « moteur » au cinéma : on est sur ligne de départ et c’est parti !

Propos recueillis par Elisabeth Donetti

Pour en savoir plus

http://www.vincentdeniard.com

Le Temps des suricates au Festival d’Avignon du 4 au 26 juillet 2015

Le Porteur d’histoire au Studio des Champs-Élysées jusqu’en décembre 2015

UN CAFÉ AVEC Marjorie Nakache, directrice artistique du Studio Théâtre de Stains

Publié le 8 janvier 2015 par Coup de théâtre !

Dimanche 14 décembre après-midi, direction le Studio Théâtre de Stains en Seine-Saint-Denis pour le dernier CAFÉ AVEC de l’année 2014. J’ai le grand plaisir de rencontrer, ce jour-là, Marjorie Nakache, la cofondatrice et directrice artistique du lieu, sa deuxième « maison » comme elle me l’expliquera joliment au cours de notre entretien. Installée à Stains depuis le début des années 90, également comédienne et metteur en scène, Marjorie Nakache poursuit sans relâche un unique objectif : développer un théâtre de proximité et rendre la culture accessible. Rencontre lumineuse dans les loges du « Studio », avec une artiste et une citoyenne formidablement engagée.

Coup de théâtre · Bonjour Marjorie, merci de m’accueillir au Studio Théâtre de Stains. Si vous deviez définir ce lieu en trois mots, quels seraient-ils ?

Marjorie Nakache : En trois mots, je dirais d’abord « implantation » car on est au cœur de la ville de Stains en Seine-Saint-Denis, avec une volonté non pas d’enracinement mais d’implantation, c’est-à-dire l’envie de ne pas se limiter à la création de spectacles mais de faire un travail avec les populations et de créer la rencontre avec le public. En deuxième, je dirais « démocratie » car je pense que l’art en général, et le théâtre en particulier, ne sont pas du tout démocratisés même si on a beaucoup parlé de démocratisation culturelle, il y a quelques années. Je trouve que l’on rencontre encore aujourd’hui les mêmes catégories sociales dans les théâtres et globalement les lieux de culture. Ici, au Studio Théâtre de Stains, on travaille tous les jours à cette démocratisation. Enfin, en troisième, je dirais « convivialité » parce que l’on vit dans une société très froide, dans laquelle les gens s’enferment de plus en plus dans leurs difficultés, dans un individualisme forcené et nous, ici, on crée du commun, on crée la rencontre. Et tous ceux et celles qui travaillent à mes côtés sont investis de la même envie de partage et d’échange que moi. Venir ici, ce n’est pas seulement venir voir un spectacle, c’est aussi découvrir un lieu, découvrir une équipe, partager des moments. C’est Peter Brook qui définit le théâtre comme une maison dans laquelle on invite des gens ; je le conçois exactement comme cela.

Avant de parler de toutes les actions que vous menez « ici et maintenant », ce théâtre a une vraie histoire.

M.N.: Oui, une vraie histoire que les Stanois connaissent bien d’ailleurs ! Au tout départ, le lieu appartenait à la famille Zanfretta, une famille d’origine italienne, qui dirigeait un très gros cirque ici à Stains. Le cirque est devenu une salle de cinéma puis a fermé. M Zanfretta est devenu entrepreneur de travaux publics et le lieu est devenu un hangar pour accumulateurs. Au début des années 1990, lorsque j’ai franchi les portes de ce lieu la première fois, c’était un vrai capharnaüm ! M Zanfretta a refusé beaucoup de propositions de promoteurs qui voulaient en faire un supermarché ou autre. Mais quand mon compagnon et moi-même lui avons soumis l’idée de le transformer en théâtre, il a tout de suite accepté ! À son décès, on a loué le lieu, la municipalité de Stains a acheté le terrain. On l’a transformé en une salle pouvant recevoir du public. Tout de suite, on s’y est senti bien, on s’est senti à notre place. C’est important de poser ses valises quelque part.

Quelle est la vocation du Studio Théâtre de Stains ?

M.N. : Notre vocation, c’est tout simplement de faire un théâtre pour tous, c’est-à-dire de donner envie à tout le monde, sans distinction d’âge, de milieu social, de niveau d’études, de franchir les portes de ce lieu et de partager des moments de théâtre avec nous. Je crois profondément qu’il y a encore aujourd’hui beaucoup de personnes qui n’osent pas aller au théâtre, qui s’autocensurent, qui pensent qu’ils n’ont pas les codes, qu’ils ne sont pas assez intelligents, cultivés, qui pensent que c’est cher, etc. De ce point de vue, je m’inscris totalement dans l’ambition de Jean Vilar à son époque et son objectif de démocratisation culturelle dont je parlais à l’instant, c’est-à-dire de faire en sorte que toutes les classes sociales, y compris les plus défavorisées, aient accès à la culture. Et puis, au-delà, notre envie, c’est que les personnes qui viennent jusqu’à nous se sentent bien, qu’elles aient aimé ou non le spectacle. On ne souhaite pas jouer les artistes « dans leur bulle » qui disparaissent en coulisses, une fois le rideau tombé. Je trouve que c’est important dès lors que les personnes ont fait le chemin jusqu’à nous, de pouvoir discuter, échanger et, en somme « faire tomber les barrières ». Ici, on est sur un territoire particulier avec un public très mélangé, qui nécessite une attention spécifique et qui a envie d’être dans un rapport quasi affectif. Vous avez vu tout à l’heure, je fais la bise à beaucoup de monde ! (rire).

Cette volonté de démocratisation culturelle prend une dimension particulière ici à Stains, où l’on parle davantage de misère, de crise et de chômage que d’action culturelle.

M.N.: Oui, c’est certain. Il y a beaucoup d’étiquettes en France, sur les gens, sur les territoires. On segmente, on ghettoïse, on stigmatise constamment les personnes qui vivent ici parce qu’il y a quelques petits délinquants qui brûlent des voitures. C’est une réalité qu’on ne peut pas nier mais vous savez, il faut aller au-delà des stéréotypes : ce n’est pas parce qu’on est jeune à Stains qu’on n’a pas envie d’aller à l’opéra ou de lire du Shakespeare. Il y a plein d’artistes formidables ici, des plasticiens, des musiciens… un véritable « vivier » qui mérite d’être découvert et soutenu. Mais malheureusement, il y a aussi un manque total de curiosité à venir jusqu’à nous et se rendre compte de cette réalité.

Quel est votre projet d’artiste et de citoyenne à travers la direction d’un théâtre comme celui-ci ?

M.N. : Depuis son origine, le théâtre est un miroir, un reflet de la société ; chez les Grecs, les citoyens venaient à l’Agora pour donner leurs avis, critiquer la société, etc. Le théâtre est un formidable espace pour faire réfléchir, pour poser des questions, dénoncer que notre société n’est pas juste. Il le peut encore aujourd’hui : c’est ça qui m’intéresse. Mais ce travail n’est possible que dans un rapport « donnant donnant » entre le comédien et le spectateur qui est, au final, un partenaire : moi, sur scène, je te dis un texte et toi, dans la salle, tu me donnes ton écoute. C’est un va-et-vient et chaque représentation est reçue différemment chaque fois. Ce qui m’anime, c’est l’action qu’on mène ici. Je n’ai pas d’ambition personnelle, je n’ai qu’une ambition de projet.

Le Studio Théâtre de Stains n’est pas réservé qu’au théâtre…

M.N. : Non, il faut d’abord préciser qu’on est un lieu de création avant d’être un lieu de diffusion. Grâce aux différentes subventions dont nous bénéficions, nous avons réussi à mettre en place des passerelles pour accueillir des artistes issus d’autres disciplines (danse, chant, cirque, vidéo..) qui viennent ici en résidence pour travailler à l’ébauche ou l’élaboration d’un spectacle. L’idée, c’est de créer un « vivier » de disciplines en proposant toute l’année des ateliers ou des stages pratiques, qui s’adressent aussi bien aux enfants qu’aux adultes, à des tarifs très accessibles, Concrètement, il est possible de faire un stage de marionnettes, de trapèze, de chant, de tango au STS. C’est important de pouvoir interconnecter différentes expressions artistiques.

Quel regard portez-vous sur la politique culturelle aujourd’hui ?

M.N. : Vous savez, la culture, on en parle à « longueur de discours » politique depuis des décennies, quel que le soit le pouvoir en place : il faut construire des bibliothèques, il faut aller au théâtre, il faut encourager la création, soutenir le spectacle vivant… Mais, dans la réalité, la culture est systématiquement pénalisée dans les contextes économiques difficiles. Et c’est d’autant plus dramatique que lire un livre, découvrir une œuvre dans un musée, aller voir une pièce, c’est aussi important que d’engager des travaux sur la voirie. La culture représente ce qu’il y a de plus important dans notre société, elle permet de construire sa personnalité, d’aiguiser son sens critique, son imaginaire, sa créativité. Elle permet de se donner des outils pour prendre sa vie en mains. Si vous n’avez pas les livres, si vous n’avez pas les auteurs, si vous n’avez pas les œuvres, si vous n’allez pas voir les musées, vous êtes sclérosé. Il faut se battre pour rendre la culture accessible à tous, ça ne doit pas être réservé à une élite. Je vois tous les jours l’impact qu’a une action artistique ou un projet culturel sur les jeunes. Je ne dis pas que ça va sauver tout le monde et la terre entière mais j’ai l’exemple de jeunes ici qui seraient aujourd’hui à la marge s’ils n’avaient pas franchi les portes de ce lieu. Par exemple, l’un de nos techniciens : je l’ai rencontré la première fois sur le pas de la porte, il y a 18 ans. Il taguait le mur du théâtre ce jour-là. On lui a ouvert la porte malgré tout et depuis, il n’est plus jamais reparti. Aujourd’hui, il a 30 ans et est devenu régisseur chez nous.

Quel a été votre parcours ?

M.N.: J’ai toujours voulu être comédienne. J’ai fait des études théâtrales, j’ai suivi les cours Florent et j’ai évolué dans ce métier quelques années. Mais à un moment, j’ai senti qu’il me manquait une dimension humaine dans ce que je faisais. Je trouvais notamment que la réinterprétation de certaines œuvres par des metteurs en scène super stars prenaient le pas sur le texte et les spectateurs en étaient presque oubliés. On allait voir davantage le Misanthrope de Chéreau que le Misanthrope de Molière. Et puis, je n’aimais pas en tant que comédienne attendre le désir des autres. J’avais besoin d’être dans l’action, d’exprimer des choses, de créer mes propres projets. J’avais besoin d’être cohérente entre ce que je pense en tant que citoyenne et ce que j’ai envie d’être en tant qu’artiste. Et cette cohérence, je l’ai trouvée ici entre ce que je pense, ce que je dis et ce que je fais.

Crédit :Benoîte Fanton

Aujourd’hui, comment élaborez-vous votre saison ?

M.N. : Les projets arrivent souvent à moi. J’ai pas mal travaillé sur le témoignage vivant, sur les paroles de femmes, victimes de violence. On a fait des spectacles sur ces thèmes. J’ai monté également des classiques, mais je « rentre » généralement par une thématique, par un sujet. Cette année, j’avais envie de travailler sur l’enfance et sur l’adolescence parce que je trouve qu’on est dans une société où les enfants et les personnes âgées sont complètement marginalisés. Et une société qui méprise à ce point ses enfants et ses aînés est une société en péril. Je suis tombée sur le roman De Grandes Espérances de Charles Dickens. J’ai eu envie de partir de ce conte de fée, de cette belle histoire pour véhiculer des problématiques sociales importantes et toujours actuelles : quand on change de classe sociale, doit-on renier le milieu d’où l’on vient ? L’amour des siens n’est-il pas aussi important que la richesse matérielle que l’on peut acquérir ?

Quel metteur en scène êtes-vous ? Comment travaillez-vous au quotidien ?

M.N.: Personnellement, je ne peux travailler que dans une bonne ambiance. J’ai besoin d’être en osmose avec les gens, contrairement à certains metteurs en scène qui n’évoluent que dans le conflit. Moi, je ne fonctionne que dans l’amour, l’échange et la douceur. Je pense qu’on obtient beaucoup plus des autres quand ils sont en confiance. Raison pour laquelle je ne travaille qu’avec des personnes que j’ai choisies. C’est pour cela que je prends mon temps quand je fais les distributions et qu’à talent égal, je choisirais toujours la personne la plus ouverte et la plus constructive. C’est très important que les comédiens aient envie de travailler ici parce qu’on est sur un territoire particulier. Dans mon travail de mise en scène, c’est réellement formidable d’avoir des personnes « vivantes » devant vous et qui ont des choses à dire et à partager.

Crédit : Benoîte Fanton

De quoi êtes-vous la plus fière dans ce lieu ?

M.N.: Ma plus grande fierté, c’est qu’un jour, ici, ont été assis côte à côte le président de la faculté de Paris 8 et une femme en boubou qui venait au théâtre pour la première fois. La réussite du Studio, je crois que c’est ça, c’est de réussir à mélanger des gens qui a priori n’étaient pas prédestinés à se rencontrer. Le théâtre, c’est le lieu de la réconciliation.

Merci Marjorie. Et pour conclure, votre mot de théâtre préféré ?

M.N.: Partage !

Propos recueillis par Elisabeth Donetti

Pour aller plus loin :

Studio Théâtre de Stains, 19 rue Carnot · 93420 Stains

Tel : 01 48 23 06 61

www.studiotheatrestains.fr

Une navette gratuite aller/retour est stationnée au départ du métro Porte-de-la-Chapelle à 20h (15h15 le dimanche) et du métro Saint-Denis-Université à 20h15 (15h35 le dimanche).

Merci à Aurélie Platania, chargée de relations publiques du Studio-Théâtre de Stains, pour l’organisation de cette rencontre.

UN CAFÉ AVEC Valérie Roumanoff, comédienne, membre de la compagnie Colette Roumanoff

Publié le 22 octobre 2014 par Coup de théâtre !

J’ai croisé le chemin de Valérie Roumanoff au début des années 2010 au sein des cours de théâtre qu’elle co-dirigeait à l’époque, les COURS CLÉMENT. Toujours en veille sur son actualité et ses projets, j’avais depuis longtemps envie de l’interviewer pour découvrir la femme de théâtre qu’elle est. Réponse positive à ma proposition d’autant plus sympathique qu’on est proches voisines. Une très belle rencontre placée sous le signe de la passion des planches, des souvenirs en commun et de la planète blogosphère !

Coup de théâtre • Bonjour Valérie, vous êtes comédienne depuis plus de vingt ans et membre de la compagnie Colette Roumanoff. Quel a été votre parcours artistique ?

Valérie Roumanoff : Tout a commencé au lycée Carnot vers 17-18 ans. Ma mère à l’époque donnait des cours de théâtre à des collégiens et je lui ai conseillé d’en donner à des lycéens et jeunes adultes. Je l’ai aidée à monter ce cours en trouvant des élèves, qui m’ont dès le départ embarquée avec eux. A l’époque, je n’avais pas spécialement d’attirance pour le théâtre, mais plutôt envie de me diriger vers une carrière musicale. Mais, au premier cours, sur une improvisation, énorme coup de cœur, déclic complet, j’ai tout de suite eu envie de continuer ! A la fin de l’année scolaire, notre groupe s’est constitué en troupe et on a commencé à se lancer, en jouant sur des petites scènes, des manifestations en province, des festivals d’été… Très vite, on s’est professionnalisé, on a recruté des jeunes comédiens du COURS FLORENT et on a monté notre première pièce professionnelle, Les Fourberies de Scapin, en 1993. Depuis, cette troupe ne s’est jamais arrêtée et moi non plus ! Tout s’est fait au final très progressivement et très naturellement.

La compagnie Colette Roumanoff est donc née à ce moment-là…

V. R.: Oui, absolument ! Elle est née de ce cours de théâtre de lycée. On était quelques-uns très « mordus » à vouloir se lancer dans cette aventure. Et on l’a fait ! Une personne qui faisait partie de ce premier noyau est même restée dix ans dans la compagnie.

Quelle est la vocation de la compagnie C. Roumanoff ?

V.R.: Ce serait plutôt à ma mère de répondre puisqu’elle l’a créée mais je dirais que son but, c’est de transmettre au plus grand nombre des pièces qu’elle considère comme porteuses de messages universels. On propose principalement un répertoire classique et des contes jeunes publics. On pense d’ailleurs souvent à tort que ces spectacles sont adressés aux enfants. Non, ce sont des pièces classiques qui sont destinées d’abord à des adultes. Notre défi, c’est précisément de proposer une mise en scène, pédagogique compréhensible qui permette aux enfants de suivre la pièce dans le texte original. Et souvent, le pari est gagné : les personnes comprennent, les enfants arrivent à suivre. On pense souvent qu’on réécrit les pièces classiques alors qu’il n’y a aucun parti pris de simplification et qu’on joue Molière, Corneille, Shakespeare à la virgule près !

Le texte, rien que le texte alors ?

V.R.: Exactement ! L’idée c’est de se mettre au service du texte, sans ajouter d’artifices de mise en scène qui vont à son encontre. Sinon, on tombe dans un exercice de style Molière vu par … Notre ADN, c’est vraiment d’essayer de redonner au texte son sens premier, qui s’est peut-être dilué au fil de mises en scène plus ou moins alambiquées des dernières décennies.

Quel est votre public ?

V.R.: Le week-end, c’est surtout un public familial de parents ou des grands-parents qui veulent faire découvrir le théâtre classique à leurs enfants, leurs petits-enfants. On a aussi un large public de scolaires, primaires, collèges et lycées.

A partir de quel âge les enfants viennent-ils voir les pièces ? En quoi le jeune public est-il différent du public adulte ?

V.R.: Tout dépend des pièces ! Les Molières « faciles », comme Les Fourberies de Scapin ou Le Médecin malgré lui, ça peut-être à partir de 5 ans. Pour les pièces plus compliquées comme Tartuffe, Dom Juan, plutôt à partir de 8 ans. En ce qui concerne la relation avec le jeune public, c’est relatif aussi ! Quand on a des collégiens dans la salle, c’est assez génial car ils sont complètement avec nous, ils rient, ils applaudissent, ils interagissent bien et c’est très agréable pour nous sur scène. C’est parfois plus compliqué pour les pièces destinées à un public lycéen comme Le Mariage de Figaro ou Le Cid, vues comme des « corvées ». Mais en général, on arrive à les « capter » et à les faire sortir de leurs préjugés, ils se laissent prendre par l’histoire et par ce qui se passe sur le plateau.

Parlez-nous des comédiens. Plus d’une centaine sont passés par la compagnie en vingt ans. Comment vous rejoignent-ils ?

V.R.: Il y a eu ce noyau de départ, dont je parlais, qui s’est étoffé par des comédiens et des comédiennes qui se sont greffés au fil des créations. Et puis, généralement, les nouveaux comédiens nous rejoignent par remplacement car les comédiens de la troupe ne peuvent pas vivre en jouant uniquement dans la compagnie. Ils ont très souvent des engagements ailleurs et doivent être remplacés – la compagnie permet cette liberté, cette souplesse – Et donc pour trouver des remplaçants (souvent au pied levé !), on recrute des comédiens qui connaissent déjà le rôle. On cherche par exemple un Valère dans le Médecin malgré lui, une Toinette pour Le Malade imaginaire, etc.. Ma mère reçoit également beaucoup de CV de comédiens. Elle les invite à venir voir le spectacle pour les rencontrer et s’imagine dans quel rôle il/elle pourrait rentrer. Et elle les appelle dès qu’un rôle se libère. On a organisé une grande fête pour les 20 ans de la compagnie en 2012 avec tous les comédiens qui ont participé à l’aventure !

Jamais de frayeur pour les remplacements au pied levé ?

V.R.: Si une fois ! (rire). On devait remplacer quasiment du jour au lendemain un comédien qui jouait Monsieur Jourdain pour Le Bourgeois gentilhomme. On a regardé différentes compagnies sur internet qui jouaient Le Bourgeois gentilhomme pour recruter «leur» Monsieur Jourdain et on l’a trouvé in extremis ! Il est venu, il a joué et ça fait dix ans qu’il est dans la compagnie.

Quel est votre programme cette saison?

V.R.: Cette année, on a neuf pièces programmées au théâtre Fontaine – L’avare, Les fourberies de Scapin, Le Malade imaginaire, Le Bourgeois gentilhomme, Le Médecin malgré lui , Le Cid, Hamlet, Le Mariage de Figaro et un conte Le Petit Chaperon rouge de Perrault – même si on a 12 spectacles en réserve. On essaie de faire tourner les pièces tout au long de l’année. Par exemple, on va jouer l’Avare en décembre mais on retrouvera Les fourberies de Scapin en octobre. Sinon, on joue tous les week-ends en matinée pour le grand public et on joue pour les publics scolaires, en semaine, généralement tout le mois de mai. On part également sur les routes de temps de temps faire quelques dates en France mais aussi à l’étranger. On a joué au Liban, à Londres, à Saint-Pétersbourg.

Comment souhaitez-vous faire évoluer la compagnie ? Quels sont vos actualités ou vos projets ?

V.R.: Notre actualité, c’est tout simplement de conserver une trace de tout le travail effectué depuis vingt ans car cette compagnie s’arrêtera peut-être un jour. Le résultat, c’est une collection de 15 DVD de tous nos spectacles. Cela n’a pas été simple à réaliser mais on l’a fait ! J’en ai profité pour faire des bonus dans les DVD avec des interviews des comédiens, des images des coulisses, de la préparation des spectacles. C’était l’occasion de montrer la vie de la compagnie au quotidien, l’envers du décor ! Et puis notre actualité, c’est La Confusionite, une pièce que j’ai co-écrite avec ma mère et qu’on joue actuellement à La Manufacture des Abbesses.

La pièce est drôle mais parle d’un sujet difficile : la maladie d’Alzheimer. Pourquoi vous être intéressée à ce sujet ? Quel est le message que vous souhaitez faire passer sur la maladie ?

V.R.: On s’est intéressées à ce sujet parce qu’on y est confrontées personnellement. Notre message est simple et direct : on peut bien vivre avec Alzheimer. La maladie fait très peur quand on l’évoque mais cette peur est nocive aussi bien pour le patient que pour la famille et aggrave encore plus la situation. L’idée est de pouvoir d’évacuer les peurs et prendre conscience qu’il est possible de vivre avec Alzheimer.

C’est un virage artistique pour la compagnie ?

V.R.: Un virage pour la compagnie je ne sais pas, l’avenir le dira mais me concernant, oui c’est la première fois que je joue du théâtre contemporain, ou du moins du non classique !

Merci Valérie. Pour conclure, vous jouez, vous écrivez, vous avez fondé et dirigé des cours de théâtre, vous êtes bloggeuse. Parmi toutes ses activités, que préférez-vous ?

V.R.: Je dirais jouer ! Mais quand on joue, on a aussi beaucoup de temps libre, qu’il faut savoir occuper en variant les activités et c’est ce que j’aime faire. J’ai adoré en effet dirigé des cours de théâtre. C’était assez formidable de voir arriver des personnes en début d’année ou de cours de théâtre dans un état de stress, d’appréhension et de les voir repartir si bien au bout de quelques semaines ou en fin d’année. J’ai le souvenir de visages ouverts, épanouis, rayonnants et c’est une énorme satisfaction. Je l’ai souvent dit mais je n’ai jamais vu le théâtre faire du mal à quiconque. Au final, ca a été une très belle aventure également, qui continue toujours même si je n’en fais plus partie. Et puis, le blog ! Il est né d’un désir d’écrire et d’être lu directement, sans intermédiaire. J’y consacre pas mal de temps, c’est une vraie bouffée d’oxygène !

Propos recueillis par Elisabeth Donetti

Pour aller plus loin :

www.valerieroumanoff.com

www.theatre.roumanoff.com

www.laconfusionite.com

www.courspaulclement.com

www.droledemaman.com

UN CAFÉ AVEC Aurélie Féat, coordinatrice du festival LES TRÉTEAUX NOMADES

Publié le 18 août 2014 par Coup de théâtre !

C’est en feuilletant le magazine A PARIS que je suis tombée sur « Les Tréteaux Nomades », un festival de théâtre parisien programmé à la fin de l’été. Intérêt immédiat (!) et donc email envoyé le jour même à la compagnie organisatrice. Réponse positive reçue le lendemain d’Aurélie Féat, qui assure la promotion du festival depuis 2 ans et prépare activement l’organisation de cette 15^ème édition. Le rendez-vous est fixé un samedi matin place Denfert-Rochereau autour d’un expresso. Jolie rencontre au cœur de l’été, à deux semaines du lancement des festivités.

Coup de théâtre • Bonjour Aurélie, comment est né le festival « Les Tréteaux Nomades » ?

Aurélie Féat : Le festival est né en 1999 et a été créé par La Compagnie du Mystère Bouffe, spécialisée dans la transmission, la création et la diffusion de la Commedia dell’arte. L’idée est d’offrir chaque année un festival populaire, festif, ludique au cœur de lieux insolites ou historiques et qui s’adresse à tous les publics. C’est devenu au fil des années le rendez-vous théâtre incontournable de la fin de l’été à Paris. En 15 ans, nous avons attiré près de 90 000 spectateurs et offert plus de 400 représentations ! La prochaine édition aura lieu du 25 août au 7 septembre, c’est la dernière ligne droite dans l’organisation et la logistique avant le jour J …

Quelles sont les valeurs et la vocation du festival ?

A.F.: Notre vocation, c’est d’abord de remettre le théâtre au cœur de la cité en développant une vraie proximité avec le public. Pour résumer les choses, ce n’est pas le public qui vient au théâtre, c’est le théâtre qui va au public! D’ailleurs, dans la tradition de la Commedia, les comédiens font des parades dans la rue une heure avant de monter sur scène pour attirer des spectateurs. Ensuite, notre souhait à travers ce festival, c’est de perpétuer un véritable théâtre populaire, animé par un esprit « tréteaux », saltimbanque comme il existait à l’époque de Molière. Enfin, l’envie de se produire dans des lieux historiques de Paris, qui entrent en résonnance et font écho à l’art de la Commedia. Nous avons toujours beaucoup de plaisir à les faire découvrir aux spectateurs.

C’est vrai que le festival investit des lieux souvent méconnus des parisiens…

A.F. :Oui, absolument, par exemple, l’hôtel particulier de Beauvais qui abrite la cour administrative d’appel de Paris et offre un cadre somptueux aux spectacles présentés. Les autres lieux offrent des ambiances très différentes : l’aspect collectif et populaire des Arènes de Montmartre, la convivialité de la place Sainte-Marthe et l’esprit « air du temps » de la Bellevilloise, seul espace de jeu en intérieur. En 15 années, nous avons joué dans une dizaine de lieux différents et nous sommes d’ailleurs toujours en recherche de nouveaux, à la fois esthétiques, susceptibles d’accueillir du public et dont nous pouvons obtenir l’autorisation d’y jouer sans trop de difficultés !

Quelle sera la programmation de la prochaine édition ?

A.F.: Cette année, nous présentons 6 pièces en billetterie dans 3 lieux différents – les arènes de Montmartre (18^ème), la cour de l’hôtel de Beauvais (4^ème) et la Bellevilloise (20ème) – et des scènes ouvertes gratuites sur la place Sainte-Marthe (10^ème). Nous essayons de varier les univers et les genres : des pièces du répertoire classique (Les deux gentilshommes de Vérone, Les fourberies de Scapin), du théâtre contemporain (La cour des miracles) et des créations comme D’Artagnan hors-la-loi, qui est un vrai spectacle de cape et d’épée ou Petit Pierre qui raconte l’histoire vraie et émouvante d’un homme simple qui a traversé tout le XXème siècle en construisant un manège merveilleux ; 2 comédiens sur scène racontent cette petite histoire dans la grande. Nous proposons également des pièces jeune public comme Cendrillon s’en va-t’en guerre, une version complètement revisitée du conte de fée, assez engagée, délurée, voire féministe ! (rire), qui séduira autant les petits que les grands. Les scènes ouvertes sont quant à elles accessibles aux amateurs comme aux professionnels désirant partager leurs créations : théâtre, clown, improvisation,…Dans tous les cas, un seul mot d’ordre : le plaisir !

De quel théâtre vous sentez-vous les héritiers : commedia dell’arte, théâtre forain, théâtre burlesque … ?

A.F.: Sans hésiter, de la Commedia dell’arte ! C’est vraiment l’ADN de la compagnie et du festival. D’ailleurs, quand nous présentons en première semaine des pièces du répertoire classique (Molière, Shakespeare, ..), nous les revisitons toujours dans un esprit Commedia en réunissant tous les ingrédients du genre : chant, danse, improvisation, acrobatie, pantomime, combat artistique, jeu masqué. Tous les comédiens de la compagnie ont d’ailleurs été formés à cet art pluridisciplinaire.

Quel est votre public ? Evolue-t-il d’année en année ?

A.F.: Notre public est avant tout parisien et francilien. Mais nous avons chaque année beaucoup de touristes surtout pour les spectacles programmés aux Arènes de Montmartre. Les touristes sont d’ailleurs un public formidable, très réactif et enthousiaste à cette expérience théâtrale en plein Paris !

La programmation part-elle en tournée, une fois le festival parisien terminé ?

A.F.: C’est plutôt en amont que les choses se passent. Certains spectacles ont été « rodés » à Avignon ou au festival d’Aurillac (ndlr : festival de théâtre de rue).En revanche, le fait de jouer à Paris permet d’attirer des programmateurs qui sont susceptibles d’acheter des spectacles et de les faire « tourner » sur d’autres scènes françaises.

Comment souhaiteriez-vous faire évoluer le festival ? Quels sont vos projets ?

A.F.: Notre souhait, c’est tout simplement grandir, augmenter le nombre de spectacles, allonger la durée du festival, investir de nouveaux lieux originaux et continuer à les faire découvrir à notre public. Nous aimerions également inviter des compagnies étrangères à se produire avec nous et à collaborer à l’organisation du festival.

La Compagnie du Mystère Bouffe a-t-elle d’autres activités ?

A.F.: Oui, en plus de la création de pièces et l’organisation du festival, nous proposons des stages et des ateliers de Commedia, dans nos locaux au Pré Saint-Gervais aussi bien aux enfants qu’aux adultes. Nous privilégions l’apprentissage des compositions de personnages et de leurs correspondances modernes, des techniques d’improvisation et des disciplines complémentaires (danse, combat, pantomime, chant,..). En point d’orgue, nos élèves se produisent en public pendant le festival ! Nous avons à cœur également de dispenser nos cours auprès de personnes en difficulté, comme des collégiens en échec scolaire ou des résidents de centre Emmaüs. La Commedia offre l’avantage d’être pratiquée sans avoir nécessairement une bonne connaissance de la langue française, par exemple. C’est un engagement fort de la Compagnie.

Merci et bon festival ! Pour conclure le mot « théâtre » que vous préférez ?

A.F.: Je dirais …troupe !

Propos recueillis par Elisabeth Donetti

Pour en savoir plus, les Tréteaux Nomades dans LIBERATION du 22 août 2014

FESTIVAL LES TRETEAUX NOMADES

Du 25 août au 7 septembre 2014

http://www.lestreteauxnomades.com

http://www.mysterebouffe.com

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UN CAFÉ AVEC Serge Bourhis, auteur, metteur en scène, directeur de la compagnie Alcandre

Publié le 24 juin 2014 par Coup de théâtre !

Un heureux hasard m’a fait croiser Serge Bourhis un soir de mai à l’Essaïon Théâtre. Serge Bourhis dirige la compagnie ALCANDRE depuis 2008 et remporte actuellement un beau succès à Paris avec deux pièces qu’il a écrites et mises en scène Racine par la racine et Molieratus. Une proposition d’interview et quelques mails plus tard, la rencontre a lieu dans un café des Batignolles par une belle matinée ensoleillée. Radio Nova en fond sonore, quelques habitués attablés et la conversation s’engage autour d’un café et d’un cappuccino maison.

Coup de théâtre · Bonjour Serge, comment est née la compagnie Alcandre ? Quelle est sa « mission » artistique aujourd’hui ?

La compagnie est née en 2008 d’une rencontre avec des comédiens que j’avais engagés pour monter l’une de mes premières pièces qui s’intitulait Et on créa la femme et qui s’était jouée à Paris et au festival off d’Avignon 2009. Au départ, je n’avais pas de ligne artistique préconçue pour la compagnie. Les choses se sont faites au fur et à mesure, même si j’ai toujours été passionné par la direction d’acteurs et très attaché au théâtre écrit par et pour des comédiens. Aujourd’hui, artistiquement, nous défendons un théâtre de texte à destination d’un large public.

Comment définiriez-vous votre compagnie : un clan, une famille, une association ?

Le terme de famille me paraît le mieux convenir. Comme dans toute famille, les liens entre les membres peuvent parfois être passionnels. Monter plusieurs projets ensemble et vivre plusieurs Avignon (ce sera notre 4^ème cette année) n’est pas une mince affaire. Une troupe de théâtre est une association de personnes autour d’un ou plusieurs projets. Nous vivons ensemble des moments très exaltants mais le métier de comédien a ceci de particulier qu’il touche à l’intime et les désaccords professionnels sonnent aussi parfois comme des remises en question de l’individu. Idéalement, je préfère travailler dans la durée avec des comédiens mais ce n’est pas toujours possible. Les nouveaux venus apportent aussi du sang neuf et régénérant pour le groupe.

Qu’est ce que vous aimez dans l’idée d’une troupe ?

J’aime l’idée que le groupe prime sur l’individu, qu’on dépasse les égos pour travailler pour un intérêt collectif. Même si j’écris les textes et que je mets en scène, le travail se fait beaucoup en commun, pendant les répétitions ; on trouve des idées ensemble et j’adore quand les comédiens proposent des choses. On vit des émotions ensemble qui sont très fortes. Je suis sensible aux valeurs de solidarité au sein de la troupe, de respect de ses partenaires, de sens du bien commun.

Comment choisissez-vous vos comédiens ?

Généralement, je passe une annonce sur un site spécialisé et j’auditionne les comédiens dont le profil me paraît correspondre à la personne que je recherche. Je rencontre alors une première fois le comédien ou la comédienne et si la rencontre se passe bien, j’organise une rencontre avec le reste de la troupe et une séance de travail. Mais recruter un comédien relève du pari. On se trompe parfois grossièrement et dans ce cas, il faut vite réparer l’erreur. Disons qu’avec le temps et l’expérience, on apprend à avoir plus de discernement, même si on n’est jamais assuré de rien.

Vous êtes auteur et metteur en scène. Comment nait une pièce chez vous ? Quelles sont les grandes étapes de création et d’élaboration d’un spectacle ?

Pour un auteur dramatique, c’est évidemment une chance que de pouvoir mettre en scène ses propres textes.Le processus de création est différent selon les spectacles. Pour certaines pièces, je pense d’abord à des comédiens ou à des personnages de romans, comme le personnage de Lilith dans la nouvelle de Primo Levi qui m’a inspiré pour Et on créa la femme. Pour Racine par la racine, l’idée est venue d’un spectacle anglais que j’avais vu à Avignon en 2004 qui s’appelait Shakespeare le défi, une comédie un peu loufoque, très drôle avec 3 comédiens qui jouaient tout Shakespeare en 80 minutes. J’avais envie de travailler sur Racine et j’ai pensé qu’il serait intéressant de l’aborder sous un angle inhabituel. J’ai écrit une première version de la pièce en 3 semaines ; on l’a travaillée pendant 3 à 4 mois. La création du spectacle devient alors un laboratoire pour la gestation du texte. J’écris généralement un premier état du texte qui subit de très nombreuses métamorphoses au fil des répétitions. Certaines répliques écrites ne deviendront jamais audibles sur un plateau. Le travail consiste donc souvent à amputer, à renoncer, à rogner…comme dans tout travail d’écriture. Au fil du temps, le texte des pièces subit parfois de très profondes modifications. Ca a été particulièrement vrai pour le spectacle sur Racine.

Vous destinez de nombreuses pièces à un jeune public. Pourquoi vouloir précisément s’adresser aux jeunes ? Quelles actions mettez-vous en place pour les sensibiliser ?

Quand j’ai écrit « Racine par la racine » en 2009, je ne l’ai pas conçu à l’origine comme un spectacle pour la jeunesse. Ce n’est qu’au bout de quelques représentations que des spectateurs m’ont dit qu’il serait formidable de le jouer devant des lycéens. Peu à peu, nous avons donc commencé à le jouer dans de nombreux établissements scolaires de Paris, de banlieue et même de province. Le spectacle suivant, Je veux de l’amour et du hasard a été, lui, conçu et monté pour être joué dans des lycées. Quant à Molieratus, il s’agit d’une commande du théâtre Gérard Philippe de Meaux où notre compagnie a été en résidence en début 2013. Nous avons pour habitude, lorsque nous jouons devant des publics de scolaires, de faire suivre le spectacle d’un débat avec la troupe. Ca me paraît important pour le théâtre aujourd’hui de ne pas se couper du public des adolescents, faute de quoi il deviendra un loisir de personnes d’âge mûr. Rien de plus triste que d’aller assister à des spectacles dans des théâtres qui ressemblent à des maisons de retraite bourgeoises. Les adolescents d’aujourd’hui sont le public de demain et le théâtre a tout à gagner à jouer devant un public de jeunes, à aller à la rencontre de publics variés.

A l’approche du Festival d’Avignon, quel rôle joue le OFF pour une compagnie comme la vôtre ?

Pour une « jeune » compagnie comme la nôtre, le festival off est à la fois un très coûteux investissement et une opportunité pour diffuser et vendre nos spectacles. Certaines compagnies se ruinent et « explosent » au festival, d’autres se soudent et grandissent. Il faut avoir une grande confiance dans les personnes avec qui on tente l’aventure (car c’en est une !) et bien se préparer physiquement et psychologiquement.Je pense que la première fois qu’on a fait Avignon, on n’avait pas complètement conscience des enjeux et des risques ! (rire) C’est vraiment le bouche à oreille qui donne la chance aux « petits » spectacles. Pour Racine l’an dernier, on a commencé à jouer et le bouche à oreille a fonctionné, comme en 2010. On a affiché complet dès la quatrième soir et on a ensuite refusé des spectateurs jusqu’à la fin du festival ! On y retourne cet été.

Comment souhaitez-vous faire évoluer la compagnie ? Quels sont vos projets ?

Il faut plusieurs années pour qu’une compagnie commence à devenir viable pour ses membres. La nôtre progresse chaque année, on travaille beaucoup, on franchit des caps ; il nous en reste encore beaucoup. Le problème est celui du financement des projets. En ce sens, nous aimerions pouvoir trouver des sources de financement pérennes qui nous permettront de travailler avec d’autres artistes : décorateurs, musiciens, créateurs lumière. Une autre question est celle de la recherche d’un lieu de travail. Concernant le travail artistique proprement dit, nous continuerons à créer des spectacles pour des publics adolescents et adultes, pourquoi pas pour enfants ? Et puis, j’ai commencé à écrire une comédie noire que j’aimerais monter la saison prochaine. J’ai aussi un projet ancien qui me tient à cœur depuis de nombreuses années. On nous réclame désormais un spectacle sur Corneille pour compléter la trilogie… et j’ai dans mes cartons informatiques des dizaines de maquettes de pièces dont certaines verront peut-être bientôt le jour…

Quel théâtre allez-vous voir aujourd’hui ? Quel spectateur êtes-vous ?

Je n’ai guère le temps ces temps-ci d’aller au théâtre et je suis un peu frustré de voir dans le théâtre contemporain le public se déplacer pour voir le travail d’un metteur en scène plus que pour découvrir des pièces ou pour voir des comédiens. Mais j’ai des metteurs en scène de prédilection comme Peter Brook qui est pour moi un modèle de grand et beau théâtre populaire ou Declan Donnellan. Il y a aussi des endroits que j’affectionne comme Les Bouffes du Nord. Je suis un spectateur très « difficile » mais en même temps très indulgent car je sais toute la difficulté de cet art si exigeant qu’est le théâtre. J’ai le souvenir d’un formidable spectacle à l’Odéon: l’illusion comique monté par Giorgio Strehler. Tout était magique : les comédiens, la lumière… Il y a un autre spectacle magnifique qui me revient en mémoire : 4.48 psychose, le texte de Sarah Kane monté par Claude Régy aux Bouffes du Nord avec Isabelle Huppert, seule en scène milieu plateau sans bouger pendant 2 heures. Un spectacle extatique !

Et pour conclure, le mot « théâtre » que vous préférez

Sous et sur le grill ! (rire)

Propos recueillis par Elisabeth Donetti

Site web : http://www.lacompagniealcandre.com

Actuellement à l’ESSAION THÉÂTRE :

RACINE PAR LA RACINE

Chaque mercredi à 20h jusqu’à fin juin 2014

Du mercredi au samedi du 3 au 19 juillet 2014 à 20h (11 représentations)

Et au festival Off d’Avignon 2014 du 4 au 25 juillet à l’Essaïon Avignon

MOLIERATUS

Du jeudi au samedi à 20h jusqu’au 28 juin 2014

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UN CAFE AVEC Nelly Le Grévellec, directrice et programmatrice du théâtre DUNOIS, un théâtre à Paris pour l’enfance et la jeunesse

Publié le 27 Mai 2014 par Coup de théâtre !

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Coup de théâtre • Bonjour Nelly, comment définiriez-vous le théâtre Dunois ?

Je dirais que c’est le seul théâtre exclusivement jeune public à Paris et identifié comme tel. Mais nous sommes aussi et avant tout un théâtre de quartier. Avant d’être un théâtre jeune public, le lieu a d’abord été le creuset d’une certaine avant-garde musicale (jazz, musique improvisée…) puis s’est converti à la danse contemporaine et au théâtre. L’ADN du théâtre DUNOIS est issu de toutes ces histoires, de toutes ces aventures artistiques.

Vous parlez d’un théâtre de quartier. C’est vrai que vous êtes implanté dans le 13^ème arrondissement depuis très longtemps.

Oui, depuis 1977 exactement ! Aujourd’hui nous avons à cœur d’associer la vie de ce théâtre à la métamorphose architecturale du quartier. Je trouve important que les enfants et leurs parents s’interrogent sur cette ville en mutation, se projettent dans ce concept du « Grand Paris ». J’aime bien comparer le théâtre à un phare : même si les gens n’y viennent pas, qu’ils sentent que c’est un repère important, un lieu d’ancrage symbolique.

Quelle est la vocation du théâtre Dunois aujourd’hui ?

Notre vocation est double. D’abord proposer aux enfants et aux adolescents des spectacles singuliers, intellectuellement et esthétiquement exigeants pour les aider à réfléchir, à s’interroger et donc à grandir. Et aussi promouvoir des artistes audacieux qui ont envie d’emmener les spectateurs pas forcément là où ils s’attendraient à être conduits. Le théâtre Dunois, c’est au final, une alchimie entre un théâtre de recherche et des spectateurs curieux !

Comment élaborez-vous votre saison ? Quels critères guident vos choix ?

Selon différents critères : d’âge, de discipline, et de difficultés d’approche… Je programme des spectacles pour trois catégories d’âge : la petite enfance, les 6-10 ans et les adolescents, Je fais également une distinction entre les spectacles déjà créés et les spectacles en création. Cette année par exemple, on a 9 créations sur 14 spectacles, c’est-à-dire que je programme des compagnies, dont je connais et apprécie l’univers et la qualité du travail, uniquement sur un projet.

Dans votre programmation, quelle est la part de productions invitées et des productions « maison » ?

Nous n’avons que des productions invitées car nous n’avons pas de budget artistique pour faire fonctionner une compagnie en propre. Notre but, c’est d’apporter aux compagnies un public bien sûr et une visibilité. Pour l’économie d’une compagnie, un lieu comme le nôtre est important parce qu’il joue un peu le rôle d’Avignon. Un spectacle, pour exister, doit rencontrer un maximum de diffuseurs et pour les rencontrer, il faut un endroit précis, stratégique, qui concentre les acheteurs potentiels. Un passage au théâtre Dunois permet aux compagnies de montrer leur travail à beaucoup de programmateurs issus des 4 coins de l’hexagone, et ainsi assurer leur viabilité économique pour les saisons suivantes. Dans tous les cas, les compagnies aiment se produire ici pour les bonnes conditions techniques qui leur sont offertes ainsi que pour le rapport privilégié avec les spectateurs qu’offre notre salle.

Parlez-nous de cette saison 2013/2014

C’est difficile de privilégier des spectacles en particulier mais c’est vrai qu’on a eu quelques temps forts avec notamment la trilogie « Once Upon a time » de la comédienne Colette Garrigan et ses trois spectacles formidables Sleeping beauty, Mary Brown et Crowning Glory. Pour clore la saison, nous présentons également une pièce de l’auteur norvégien Jon Fosse Le manuscrit des chiens II/ Quelle merveille ! Cette pièce fait partie d’une trilogie dont les 2 autres volets ont été créés les années précédentes par L’Amin Cie théâtrale qui clôt ainsi trois années de résidence chez nous. Les 3 spectacles seront d’ailleurs représentés dans la même journée, le 8 juin dès 14h afin de mettre un point d’orgue à notre collaboration avec le metteur en scène Christophe Laluque.

Quel est votre public ?

En scolaire, il vient de tout Paris et des banlieues proches, avec environ 40% d’écoles du 13eme arrondissement et 60% des autres arrondissements et petite couronne. C’est vrai que la ligne 14 a tout changé ! Pour le public familial, c’est plus difficile à cerner, il y a un public de quartier, de Paris, d’Ile de France et de province.

La baisse des subventions publiques vous pénalise-t-elle ?

Pour l’instant l’impact est peu sensible, le pire est sans doute à venir. Dans l’absolu, on sait faire avec peu, on a toujours su travailler avec des moyens limités. On résistera peut-être mieux que les grosses structures. Curieusement notre notoriété est proportionnellement supérieure à nos moyens financiers.

Comment l’expliquez-vous ?

Je pense qu’elle provient d’abord du fait qu’on est un lieu parisien et qu’à ce niveau, on est visible de toute la France. On dispose également d’un certain nombre d’outils de communication (publications, site web,…) qui nous sont utiles pour développer la visibilité du lieu et mettre en avant la singularité de nos spectacles. La Gazelle, par exemple, le journal du théâtre Dunois, permet de prolonger la réflexion sur les thématiques qui sont abordées dans les spectacles que nous programmons.

Quels sont les projets du théâtre ?

Le théâtre Dunois va s’associer l’année prochaine à l’opération La belle saison qui sera lancée officiellement cet été en Avignon par la Ministre de la Culture Aurélie Filippetti. L’objectif de cette Belle Saison avec l’Enfance et la Jeunesse, c’est de soutenir le théâtre jeune public, en favorisant les synergies et les collaborations entre tous les acteurs du terrain. En Ile de France nous sommes une plateforme de référence sur cette opération. Le spectacle vivant pour le jeune public va ainsi être mis à l’honneur sur l’ensemble du territoire grâce à ce coup de projecteur qui durera jusqu’en décembre 2015.

Quel a été votre parcours avant de diriger le théâtre Dunois ?

A la base, j’ai fait des études littéraires, fréquenté les mouvements militants du début des années 70, où l’on rencontrait beaucoup d’artistes. Les hasards et les rencontres de la vie m’ont conduite au théâtre Dunois au tout début de sa création. J’ai codirigé le théâtre Dunois comme lieu réputé pour le jazz, puis comme lieu pluridisciplinaire, ensuite j’ai créé ce théâtre à Paris pour l’Enfance et la Jeunesse. J’ai l’impression d’avoir vécu plusieurs vies : comme les chats! (rire)

Et pour conclure, le mot du « théâtre » que vous préférez ?

Dramaturgie !

Propos recueilis par Elisabeth Donetti

THÉÂTRE DUNOIS

7 rue Louis Weiss • 75013 Paris

Accès : Bibliothèque F. Mitterrand (ligne 14), Chevaleret (ligne 6)

Tel: 01 45 84 72 00

www.theatredunois.org

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UN CAFÉ AVEC Murielle Magellan, dramaturge, romancière, scénariste

Publié le 23 avril 2014 par Coup de théâtre !

Coup de théâtre • Bonjour Murielle, comment êtes-vous « née » au théâtre et à l’écriture théâtrale ?

J’ai découvert le théâtre très jeune au Club de théâtre amateur de Montauban, où j’ai grandi. J’ai joué pendant toute mon adolescence et à 17 ans, je suis partie à Paris pour suivre les cours d’une école de chansons « Le studio des variétés », parce que j’écrivais des chansons également à l’époque. Puis je me suis inscrite en fac de lettres et j’ai été reçue comme élève comédienne à l’Ecole du Théâtre national de Chaillot. C’est à cette époque que j’ai commencé à écrire des petits textes, des petites scènes. A la sortie de Chaillot, j’ai eu du mal à travailler comme comédienne et l’idée m’est venue d’écrire mes propres pièces pour m’offrir des rôles. J’ai écrit une première pièce qui s’appelait La saveur subtile des dinosaures, dans laquelle j’ai joué. La pièce racontait l’histoire d’une femme tiraillée entre plusieurs hommes, c’est-à-dire en réalité entre plusieurs schémas de vie. J’explorais déjà mes thèmes de prédilection: où est la vérité ? Où est le bon schéma ? Y-a-t-il un bon chemin, un mode d’emploi ? J’ai eu de très bons retours sur le texte et très vite, j’ai réalisé que j’avais un rapport très passionnel, très vif à l’écriture, beaucoup plus qu’au jeu d’ailleurs. Le chemin s’est ouvert, j’ai écrit par la suite Pierre et Papillon et les choses se sont enchaînées.

Comment naît une pièce chez vous ? Quel est le déclic ?

Le déclic, c’est souvent une addition de sensation ou d’observation de la vie, qui passe en moi régulièrement et qui, à un moment donné, va trouver une forme dramaturgique. Au départ, c’est du vécu : j’observe quelque chose en moi, je ressens quelque chose du monde, qui d’ailleurs ne fait pas tout de suite idée ou récit. Et tout à coup, les choses s’incarnent, s’illustrent, se formalisent. Ca devient une idée de pièce, puis l’idée devient un désir de raconter. Et quand ce désir persiste, cela veut dire qu’il faut y aller !

Pourquoi, à un moment donné, faire le choix d’écrire une pièce plutôt qu’un roman par exemple ?

Je pense que le sujet induit la forme. Comme je suis un auteur multiforme, je suis très à l’écoute de ce que l’idée porte en elle comme forme. Par exemple, mon deuxième roman Un refrain sur les murs raconte l’histoire d’une femme de manière très introspective. Au théâtre, il aurait été compliqué de décrire cette intériorité, alors que le roman l’appelle en quelque sorte. C’est un peu la même chose pour N’oublie pas les oiseaux (ndlr : dernier roman de Murielle Magellan) qui raconte 15 ans de vie et porte quelque chose d’épique, de romanesque. Le roman se prête davantage à l’histoire. Si je n’étais que dramaturge, je me serais certainement posée la question du « comment faire » pour raconter cette histoire sous forme de pièce, de scénario ou de chanson mais c’est l’avantage d’être un auteur pluriforme!

Vous êtes comédienne de formation. Cela vous aide-t-il dans le processus d’écriture ?

Oui, indéniablement même si c’est avant tout une histoire de goût. Moi qui aime un théâtre vivant, un théâtre « ici et maintenant », un théâtre qui m’émeut, qui me transporte, c’est un plus. Car le fait d’avoir été comédienne permet de savoir accéder à ses émotions, de les identifier et bien sûr de ressentir et connaître la vie du plateau. Molière est un grand exemple de ça ! Le dramaturge qui n’a jamais été comédien risque peut-être de produire un théâtre un peu théorique, un peu didactique.

Quand vous écrivez une pièce, vous projetez-vous déjà dans une idée de mise en scène ou vous attachez-vous prioritairement à l’écriture et au propos ?

Je suis quelqu’un de plutôt concentré sur le propos, les personnages et l’écriture. Je n’aime pas, par exemple, avoir des comédiens en tête parce que j’aime être libre avec mes personnages, j’aime les faire exister en tant que tels, les comédiens ne viennent qu’après. De la même façon, je ne me projette pas dans une mise en scène, j’aime l’idée qu’un metteur en scène vienne s’emparer de mon texte pour y mettre son univers.

Pourtant, en vous lisant, on trouve beaucoup de didascalies très précises.

Oui, c’est vrai parce qu’au fond je sais où j’ai envie d’aller. Les didascalies servent à donner un éclairage au texte. Ceci étant, le metteur en scène est libre d’en tenir compte ou pas. J’ai eu de très bonnes surprises d’ailleurs sur Pierre et Papillon.

Est-ce important de confier la mise en scène à un proche (ndlr Bernard Murat pour Traits d’Union) ou du moins, à quelqu’un dont vous connaissez le travail ?

Pour une toute première création, c’est important pour moi de connaître le metteur en scène, c’est-à-dire de sentir qu’il est sensible à mon univers et qu’il l’a bien identifié. Encore une fois, j’aime bien l’idée qu’un metteur en scène apporte son univers au mien. En revanche, je n’aime pas l’idée qu’il se serve de mon texte seulement comme de la matière. C’est comme un mariage au final, ce sont deux personnalités qui se rencontrent, qui se complètent mais qui ne doivent pas se posséder. Ceci étant, une fois que la pièce est créée, je trouve qu’elle ne m’appartient plus, qu’elle appartient au public et qui veut la monte. C’est là la véritable récompense ! En parlant de Bernard Murat, j’ai une histoire particulière avec lui.Quand j’étais toute jeune, j’ai été sa seconde assistante. Puis les années ont passé, on s’est complètement perdu de vue. Quand Pierre et Papillon a commencé à avoir du succès à Avignon et à Paris, j’ai appris à l’époque que le théâtre des Mathurins, que dirigeait Bernard, était intéressé par la pièce. Au final, il a pris la pièce. Le jour de la Première, je suis montée le voir dans son bureau et je lui ai dit Murielle Magellan, c’est moi, j’avais changé de nom entre temps ! Il était très ému, il m’avait quitté jeune assistante, il me revoyait auteure ! Du coup, il a demandé si j’avais d’autres pièces, il a lu Traits d’Union, il a aimé et il l’a montée !

Participez-vous au travail de mise en scène ou laissez-vous « carte blanche » ?

Généralement, je laisse le metteur en scène travailler même s’il m’est arrivé d’intervenir. Pour la création de Pierre et Papillon par exemple, j’étais assez impliquée, j’ai dit des choses, qui ont été retenues ou pas, c’est normal. Lorsque Bernard Murat justement a monté Traits d’Union, j’ai pu assister aux répétions mais je ne suis pas beaucoup intervenue parce que c’était bien tout simplement. Pour la petite histoire, il m’est arrivée aussi de mettre en scène, notamment l’une des soirées du Paris des Femmes 2013 mais j’évite d’échanger trop avec les auteurs. J’aime qu’on se fasse confiance mutuellement. En revanche, je n’ai jamais mis en scène l’une de mes pièces. Ca ne me tente pas pour l’instant, ça viendra peut-être plus tard.

Quelles sont, ou ont été, vos influences théâtrales ?

Chez les auteurs, les classiques, je suis une grande amoureuse de Racine par exemple. Plus proche de nous, j’aime beaucoup Tennessee Williams qui a apporté une grande modernité dans l’écriture théâtrale. J’ai beaucoup lu Peter Brook également – ce qu’il dit de la vie au plateau est passionnant – Antonin Arthaud, Stanislavski et la méthode de l’Actor’s Studio. Je me suis construite en essayant d’explorer beaucoup de formes de théâtre, même si le théâtre que j’écris est un théâtre très contemporain, très doux-amer, grinçant, sur le fil. J’aime bien écrire en creux, de manière très suggérée, très pointilliste, ce qui ne veut pas dire que les thèmes que j’explore ne sont pas graves ou lourds.

Quel type de théâtre aimez-vous voir aujourd’hui ?

Quand je vais au théâtre, ce qui est devenu plus rare par manque de temps, je vais au Rond-Point, au théâtre de l’Œuvre, au théâtre de l’Atelier. Je vais également dans des « petites » salles pour découvrir de nouveaux auteurs, on y découvre des « perles » de temps à temps, comme Le mec de la tombe d’à côté qui a rencontré un beau succès. Dans tous les cas, je vais voir un théâtre qui m’émeut, me touche, qui parle à mon cœur avant de parler à ma tête en quelque sorte, qui m’apporte aussi un regard ou un éclairage. En revanche, je n’aime pas un théâtre qui veut m’expliquer quelque chose, me donner à penser, me faire une démonstration de quoi que ce soit.

Parlons de votre actualité. Vous avez publié en janvier un roman autobiographique « N’oublie pas les oiseaux » et venez de cosigner le scénario d’un film avec la comédienne Audrey Dana.

Oui, j’ai coécrit avec Audrey le scénario d’un film qui va sortir le 4 juin et qui s’appelle Sous les jupes des filles. C’est une expérience formidable, très joyeuse. Le sujet -les femmes dans tous leurs états – nous plaisait beaucoup à toutes les deux. Je ne connaissais pas Audrey mais j’ai appris à la connaître en écrivant et je l’ai même dirigée dans deux des pièces du Paris des Femmes 2013. On est très différentes l’une de l’autre mais on a la même envie d’une parole libre, honnête, qui n’a pas peur de nommer les choses. On s’est vraiment reconnues artistiquement et humainement. Une très belle rencontre qui va nous porter peut-être vers des projets théâtre ! Concernant mon roman d’ailleurs, j’écrivais le matin N’oublie pas les oiseaux et l’après-midi le scénario avec Audrey ! Des journées chargées mais qui se complétaient bien au final puisque j’explorais mon histoire de femme à moi le matin et des histoires de femmes l’après-midi. Au fur et à mesure de l’écriture, je me suis aperçue que je ne faisais rien d’autre que d’écrire la même chose ! (rire). Audrey a d’ailleurs été l’une de mes premières lectrices. C’était précieux car elle a validé l’audace qui consistait à montrer cet amour nu, à le raconter « au scalpel ». Dans N’oublie pas les oiseaux, je raconte une histoire d’amour sur 15 ans avec ses bonheurs et ses souffrances. C’est l’éducation sentimentale d’une jeune femme un peu naïve, curieuse, et qui a le goût du risque, avec un homme Don Juan, plus âgé qu’elle, flamboyant et ombrageux. Au travers de cet amour mouvementé, elle devient femme et artiste, elle se construit.

Merci Murielle. Et pour conclure, le mot « théâtre » que vous préférez ?

La coulisse. Normal pour un auteur ! (rire)

Propos recueillis par Elisabeth Donetti

POUR ALLER PLUS LOIN :

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Retrouvez l’interview de Murielle dans La Grande Librairie le 6 mars 2013

PIERRE ET PAPILLON de Murielle Magellan

Théâtre de Ménilmontant, 15 rue du retrait, 75020 Paris

Les 26 avril,3 mai à 20h30

SOUS LES JUPES DES FILLES d’Audrey Dana

Scénario Audrey Dana et Murielle Magellan

Sortie le 4 juin 2014

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