♥♥♥ Décembre 1888. À trois mois de l’inauguration de la tour Eiffel, tous les charpentiers se mettent en grève. Comment Gustave Eiffel va-t-il gérer cette énième crise ? Lire la suite
♥♥♥ En 1973, Véronique Sanson quittera Michel Berger, son amoureux, comme dans un film, en allant acheter des cigarettes. Même si elle regrettera la manière dont elle l’a fait, jamais elle ne regrettera son départ. Cette culpabilité nourrira bon nombre de leurs chansons. Leur relation épistolaire passionnée révélera le manque et la souffrance d’être loin l’un de l’autre.
Toute une vie sans se voir propose une relecture moderne d’Orphée et Eurydice, ces deux amants condamnés à ne plus pouvoir se regarder. Sur scène, un homme, une femme, deux voix, deux pianos et les chansons de Véronique Sanson et Michel Berger. Elles se mêlent et s’entremêlent, elles s’opposent et se caressent, elles s’entendent et se répondent pour nous répéter à l’envi : jamais ensemble, jamais l’un sans l’autre. L’ambiance est feutrée, intimiste. L’interprétation originale de Julie Rousseau et Bastien Lucas est harmonieuse. Stéphane Olivié-Bisson met en scène sobrement cette véritable ode à l’amour. Un bémol : pas de pensée des paroliers pour France Gall…
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♥♥♥ Claire (Alysson Paradis) et Richard (Davy Sardou) reçoivent à dîner un couple d’amis de longue date, Mathilde (Marie-Ange Casta) et Christophe (Julien Personnaz). La soirée suit son cours, apparemment sans embûche, dans une certaine gaieté et bonne humeur, jusqu’au moment où une révélation inattendue vient tout bouleverser…
Lors des premières scènes, Amis pour la vie, écrite et mise en scène par Bertrand Marcos, apparaît comme une comédie contemporaine assez classique. Soudainement, une situation conflictuelle inattendue envoie valser le prétendu bonheur amoureux et amical des deux couples d’amis, l’occasion inopinée pour chacun d’exprimer ses ressentis. Après la tempête des silences brisés et des colères libérées, que restera-t-il de leurs amours et de leurs amitiés ?
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♥♥♥♥ Frédéri, garçon de la campagne, est fou amoureux d’une jeune fille de la ville d’Arles, rencontrée aux arènes. Ses parents consentent finalement à ce mariage. Un jour, un homme vient parler au père de Frédéri et prétend qu’il a été l’amant de cette Arlésienne. Il lui montre des lettres qui attestent ses dires. Le lendemain, le père raconte toute l’affaire à son fils, qui renonce au mariage mais ne peut oublier l’Arlésienne. Comme ses parents se montrent inquiets à son sujet, il décide de donner le change en paraissant gai. Rongé par le chagrin pour son amour irrépressible, il finira par se suicider.
L’Arlésienne est à l’origine une brève nouvelle d’Alphonse Daudet extraite des Lettres de mon moulin (1869). L’auteur s’est librement inspiré d’un fait divers qui lui fut raconté par le poète Frédéric Mistral : à la suite d’une déception amoureuse, son neveu s’était suicidé en se jetant d’une fenêtre du mas familial sur une dalle de pierre. Trois ans plus tard, Daudet l’adaptera pour la scène (Georges Bizet pour la musique).
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Au mois de mai, selon le dicton populaire, nous devons faire ce qu’il nous plaît… Eh bien, allons au théâtre des Gémeaux Parisiens où se tiendra pendant ce mois printanier le premier festival parisien du seul.e en scène. Nathalie Lucas et Serge Paumier, directeurs des lieux, en sont les organisateurs.
Pari(s) audacieux et « une volonté de faire entendre des textes de tous horizons, portés par onze artistes, dans un moment amené à devenir un événement, tant le projet est rare et ambitieux. Si l’art du théâtre est l’art de jouer avec les autres, alors la performance solitaire scénique relève assurément de cet art. Seul en scène, on ne l’est jamais vraiment. On joue avec nos fantômes et ceux des autres, avec les souvenirs qui nous hantent ou nous ravissent, avec tous ceux qui peuplent notre imaginaire. On fait le clown mais la tragédie peut surgir à tout moment. On fait entendre des parcelles de nous, on révèle au monde nos parts d’ombre et de transparence. On brûle des mots qu’on déclame et nos regards sont embués de tendresse. Être seul en scène, c’est aussi converser avec un auditoire silencieux, complice, qui tente d’entendre les soubresauts de l’âme, les éclats du cœur. Le seul en scène comme un miroir teinté d’humanité », souligne William Mesguich, l’heureux parrain de l’événement.
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♥♥♥♥ Une jeune femme tombe malade. La grippe, quoi de plus banal. Mais la maladie s’aggrave et elle est transportée d’urgence à l’hôpital. Son pronostic vital est engagé, son cœur très affaibli : l’équipe médicale décide de lui greffer une machine de circulation extracorporelle. Comme c’est étrange, à 29 ans, d’avoir le cœur qui flanche… Comment faire pour survivre ? Comment revenir au monde ? Une histoire de montagne à gravir, de brouillard à traverser, de résilience et d’amour. Une plongée dans l’univers surréaliste, épique et désespérément drôle de la réanimation. D’après une histoire vraie. Celle de Katia Ghanty, interprétée par elle-même.
« En réanimation, malgré le soutien inestimable des proches et parfois des soignants, on est seul : c’est un lieu où l’on expérimente un isolement inédit, une solitude qu’on ne connaîtra nulle part ailleurs. La parole du patient est gelée, ignorée, balayée, par les conditions délétères dans lesquelles les soignants travaillent, mais aussi par la violence induite par la proximité de la mort, la froideur de l’arsenal technique, l’agitation et le vacarme constants, l’absence totale d’intimité, l’horreur du corps qu’on ne contrôle plus, qui nous échappe, qui périclite inexorablement… »
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♥♥♥ Dès 1940, de nombreuses femmes entendent l’appel de la Résistance. Elles entrent dans ce combat de l’ombre et risquent leur vie pour préserver leur liberté. Dans l’ombre des roses nous rapporte le destin de trois d’entre elles…
Face à l’indicible, quelles sont nos armes ? Entre l’espoir naïf d’aller pendre son linge sur la ligne Siegfried et la terrible réalité de l’Occupation, comment exprimer ses angoisses, continuer à vivre et à aimer ? Entre ombre et lumière, rires et larmes, certaines conquièrent leur liberté, résistent à l’oppression, d’autres se perdent dans la folie humaine.
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Depuis 1987, Les Molières saluent chaque année les artistes et les spectacles les plus remarquables de la saison, réunissant tous les genres et tous les théâtres, publics comme privés.
Pour 2025…
En noir, les nommés.
En vert, les lauréats.
En rouge, les spectacles chroniqués par Coup de théâtre.
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♥♥♥ Marseille, 1970. Un journaliste interviewe Andrée Turcy, la grande dame de la chanson réaliste du début du XXe siècle. Leurs échanges reviennent sur les moments marquants de sa carrière artistique – sa vocation, ses débuts, ses collaborations, ses tournées en France et à l’étranger – grâce à un florilège de mots et de chansons. Tout cela avec un charmant accent marseillais.
Coup de Théâtre a précédemment chroniqué Gaby Deslys, le fabuleux destin de la première star du music-hall de Jean-Christophe Born. Passionné de music-hall, il revient sur les planches du Guichet Montparnasse avec sa dernière création Qui êtes-vous, Andrée Turcy ? pour nous présenter une artiste méconnue du grand public. Après des cours de chant lyrique, Alphonsine-Sidonie-Philomène Turc (1891 – 1974) débute au café-concert de Lyon en 1912 sous le pseudonyme d’Andrée Turcy. Félix Mayol, comme elle Toulonnais, la fait monter à Paris pour se produire dans sa propre salle, le Concert-Mayol. Suivront l’Eldorado, l’Alcazar de Marseille, La Cigale… et de nombreuses chansons à succès : La Chanson du Cabanon, Mon anisette, Mon homme, Pourquoi je t’ai quitté... enregistrés chez Pathé. Parallèlement, elle fait de brèves apparitions dans des films de Marcel Pagnol, Manon des sources (1952), Les Lettres de mon moulin (1954), et dans ceux d’autres réalisateurs. Elle décédera dans la misère à l’âge de 83 ans, à Marseille.
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♥♥♥ Connaissez-vous Judith Shakespeare ? Judith est la sœur oubliée de William, merveilleusement douée et aventureuse lorsqu’elle prend la plume. Tout comme lui. Aurait-elle pu écrire les pièces de son frère ? Non, parce que Virginia Woolf l’a totalement inventée, William avait des frères et aucune sœur. Et pourtant, si à son époque les règles de la vie des femmes avaient été bien différentes, elle aurait reçu une instruction et se serait vouée à l’art. Selon Virginia Woolf, un grand esprit n’est ni homme, ni femme, il est androgyne.
En 1928, Virginia Woolf publie Une chambre à soi, essai écrit à partir de conférences données dans des collèges de femmes. Selon elle, chacun devrait disposer pour pouvoir s’adonner à la création littéraire de 500 livres de rente pour voyager librement à travers le monde, se nourrir de rencontres et de découvertes. Plus encore, disposer d’une pièce bien à soi. Pourquoi aucune femme n’a-t-elle écrit de pièces à la manière de William Shakespeare ? s’interroge-t-elle. Pour tenter d’y répondre, elle donne vie à Judith, sœur talentueuse du grand tragédien. Selon Juliette Marie, autrice et metteuse en scène du spectacle, Judith, « c’est le destin d’une vie manquée, tant redouté par Virginia l’écrivaine. […] Judith parle depuis le fond de l’Histoire, elle revient des oubliettes du passé, avec ses fièvres et ses amours. […] Judith Shakespeare devient le symbole des femmes oubliées, inaudibles, celles qui ne sont pas devenues des sculptrices, des poétesses, des compositrices. »
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COUP DE THÉÂTRE 